sábado, 26 de mayo de 2012

DAVID HOCKNEY. Un joven de + de 70.




Tenía pensado hacer una entrada con la obra de Hockney más adelante, pero el hecho de que su obra se encuentre ahora a nuestro alcance en el Guggenheim de Bilbao y sobre todo el momento triste y pesimista en el que nos encontramos todos inmersos, me ha decidido a adelantar este artículo para plagar el blog de luces, colorido y sobre todo de optimismo. 



TALA DE INVIERNO 2009



Hace unos días llegaba a mi buzón una revista digital de Arte a la que estoy suscrita. Entre los artistas que aparecían se encontraba David Hockney y titulaban el artículo así: “David Hockney, ventanas de optimismo”. 

Era como si hubieran leído mi pensamiento porque la obra de este artista siempre me ha transmitido eso precisamente: optimismo. Su obra nos trae auténticas ráfagas de optimismo que nos iluminan la vida.



 DETALLE de LA CARRETERA QUE ATRAVIESA LOS WOLDS



Se suele decir que el buen artista expresa su carácter y su momento vital en la obra. Delante de la obra de Hockney no dudamos de la vitalidad de este hombre. Diría con seguridad que una de sus cualidades es su permanente “juventud” mental, cualidad que expresa su obra que se presenta joven y vital.

En una reciente entrevista con ocasión de la exposición que nos trae al Guggenheim bilbaíno, decía sentirse rendido ante el uso del I-pad y daba muestras de estar abierto a todas las nuevas tecnologías. Aún viviendo en un lugar aislado como es Bridlington, está totalmente conectado, o electrónicamente conectado. Mentes así son abiertas y creativas de por vida.



 NICHOLS CAYON.1980



Se dice de David Hockney (Bradford 1937) que es el más grande pintor británico con vida, que es un gran maestro, se le cataloga como un artista del pop-art y un sin fin de calificativos más. Tendemos a calificar, a encorsetar y a colocar a los artistas dentro de movimientos y tendencias, pero lo cierto es que artistas como Hockney transcienden todo eso. Están ahí y lo más importante, están en constante actividad creativa.
No puedo escribir este artículo sin dejar un apunte sobre mis preferencias a la hora de hablar de este pintor. Admiro, su atractiva influencia de ilustrador en sus obras, su color, su luz y su creatividad incansable. 



 INTERIOR. LOS ÁNGELES



Y admiro sus paisajes. También, ¡como no! admiro el Hockney de las piscinas californianas porque en realidad esas piscinas y edificios sin paisajismo que los respalde son precisamente el paisaje de California. Pinturas que representan espacios con edificios bañados de luz y color, con un estilo un tanto ingenuo y que son muy representativas del “paisaje” californiano que embrujó a este pintor durante mucho tiempo. No hay duda de que el contraste de aquella atmósfera californiana y el ambiente en el que ahora transcurre su vida le lleva a crear de forma diferente.



 GREEN VALLEY



Comentaban en el artículo que he mencionado al principio de esta entrada que Hockney en estos momentos se encuentra en una obsesiva exploración del clima del este de Yorkshire, lugar en dónde ahora habita, y es seguro que su lluvia, su viento, sus luces y sus cambios climáticos, le proporcionan gran creatividad como, en su día, le influyó su estancia en Los Ángeles.


La obra “La mayor zambullida”, podría ser una de las más representativas de ese periplo californiano. 



 LA MAYOR ZAMBULLIDA. 1967



Se trata de un acrílico sobre lienzo pintado en 1967. En él está captado ese “paisaje” del que hablaba. Representa un día cualquiera en el exterior de una casa de California. Hay una sensación total de inmovilidad, reforzada por la técnica que empleó el artista al pintar las líneas horizontales y verticales con rodillo. No hay presencia humana visible pero hay un elemento que interrumpe esta inmovilidad y que hace que la intuyamos: la salpicadura del agua junto al trampolín. También nos atraen las dos palmeras al fondo,excesivamente altas y finas. Este cuadro está considerado como un icono del pop art.


 
Otra obra de aquella época es “Dos chicos en la piscina, Hollywood”



 DOS CHICOS EN LA PISCINA, HOLLYWOOD. 1965



También se trata un acrílico sobre lienzo y se pintó en 1965. Y también tiene como tema las piscinas y el sol californiano. Esta vez la presencia humana no se adivina sino que está presente con los dos jóvenes. Muy gráfica como la anterior, con colores puros y con una composición sencilla, es un claro ejemplo del Hockney ilustrador. No obstante los dos jóvenes presentan diferente tonalidad en la piel, algo que contrasta con el tono decorativo del resto de la obra. Este contraste que “humaniza” a los personajes hace también que sean objetos de nuestra mirada que se dirige instintivamente hacia ellos. 


Hockney fue artista precoz, aunque en un principio se orientó hacia la publicidad e incluso ganó algún concurso publicitario siendo adolescente. Toda su obra tiene gran influencia gráfica. Entró en la escuela de arte de Bradford y posteriormente, en 1959, viajó a Londres en dónde estudió en el Royal College of Art. Su éxito le llegó muy pronto puesto que siendo aún estudiante expuso obra que vendió con facilidad.




ART POP



En 1961 viajó a Nueva York en dónde, como no podía ser de otra manera, se sintió atrapado por la ciudad. De ahí viajaría a Los Ángeles que al parecer superó con mucho lo que le ofrecía Nueva York. Sus pinturas de los años 60, las de las piscinas, esas que arriba he comentado, tan plenas de luz y color, estarán por siempre asociadas a Hockney.



 AUTORRETRATO 1966



Hockney es un creador versátil y como tal ha trabajado en otros cometidos. Además de ser excelente dibujante, fotógrafo y artista gráfico, fue coreógrafo de ballet y de ópera, una carrera que al parecer se vio truncada al sufrir pérdida de audición. 

Aunque, mayormente relacionemos a Hockney con esas pinturas de piscinas y casas de California, el Hockney de los paisajes monumentales para mi tiene gran atracción, como ya he apuntado. Porque hay que decir que la obra de Hockney es monumental en cuanto a tamaño. Esos inmensos paisajes por los que puedes “pasear” y en los que te sientes inmersa y atrapada.




 DAVID HOCKNEY DELANTE DE UNA DE SUS OBRAS EN LA TATE GALLERY



Como buen ilustrador, sus pinturas suelen presentar un dibujo perfectamente encajado y una composición en total equilibrio. Esos caminos que en muchos de sus cuadros sirven de eje central, invitan a pasear por ellos. Delante de sus obras yo me he sentido “caminando” por sus paisajes y cargada de optimismo. Es una suerte y un privilegio para los que nos gusta el Arte poder contar con artistas de esta categoría que en tiempos como los que corren nos transmiten estas sensaciones. 



 BOSQUE WOLDGATE



La obra de Hockney se encuentra en numerosos museos y colecciones particulares. Podemos encontrarla en Astrup Fearnley Museet for Moderne Kunst de Noruega, en el J.Paul Getty de Los Ángeles, en el Museum of Fine Arts de Boston, en la National Gallery de Washington, en el Fine Art Museum de San Francisco, en la Tate Gallery de Londres y en muchos otros museos. Está presente en todo el mundo.



 SR.y SRA CLARK. 1970 en la Tate Gallery



Estos días tenemos la oportunidad de admirarla en el Guggenheim de Bilbao en dónde permanecerá hasta el 15 de septiembre y en dónde se nos muestra el Hockney más vanguardista que despliega un buen número de dibujos con I-pad.



NOTAS: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.
Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.

Para la elección de otro IDIOMA ir con el cursor al final de la página.


Fuentes consultadas: Arte del siglo XX. (edit.Taschen)
Historia del Arte. E.H. Gombrich (Edit. Debate)
Los maestros de la pintura occidental. (Edit.Taschen)
En la red: hoyesarte.com
Para la fotografía las mismas.

domingo, 13 de mayo de 2012

PINTURA SOBRE SEDA. La elegancia del soporte.




Hace unos días admiramos aquí la técnica del Batik y al hacerlo mencioné la pintura sobre seda. Si bien es cierto que son parte de una misma familia y que hay mucha similitud en la forma de trabajo entre ambas e incluso en los materiales para trabajarlas, hay saber distinguir las técnicas aplicadas y por supuesto la obra final. Como ya dije, el batik (entrada 6.5.2012) es una auténtica joya de artesanía, pero también la pintura sobre seda nos va a ofrecer un campo muy amplio de posibilidades y nos va a dar opción a ejercer toda nuestra creatividad.




PAÑUELOS EN SEDA




La seda es factible de ser trabajada de diferentes formas. Como una acuarela, aplicando reservas, utilizando diferentes técnicas en el mismo soporte, o aplicando diferentes “trucos” que unidos a la creatividad del artista, van a servir para que el resultado nos dé más de una sorpresa.



 
 PINTURA SOBRE SEDA

El campo de la pintura sobre seda es muy amplio, tanto en cuanto a técnica, como a diseño, ya que no sólo realizaremos artículos de uso personal como pueden ser pañuelos, pareos o corbatas, sino que también podemos realizar pantallas para lámparas y por supuestos bellísimos cuadros. 




 CUADRO SOBRE SEDA NATURAL



Comenzaremos por los materiales que normalmente se utilizan para el trabajo.
Lo primero, por supuesto, serán las pinturas. Éstas son especiales para trabajar sobre seda. Lo ideal es buscar un comercio especializado que nos permita elegir, ya que hay una gran gama y entre ellas algunas con ventajas que nos pueden interesar, como que los colores se fijen simplemente con un planchado, que su luminosidad sea alta y no se pierda fácilmente y algunas otras. Así que lo mejor es buscar que nos asesoren sobre marcas y eso nadie mejor que aquel que comercializa el material.




 MATERIAL NECESARIO




Otro producto imprescindible es la guta, un producto tipo cera o resina que va a servir para “dibujar” y separar los espacios y va a impedir que un color se mezcle con otro, si es eso lo que queremos. Puede ser incolora que dejará traslucir el color de la seda, o podemos adquirirla de colores si nos interesa que así sea en función del diseño. 



GUTA COLOREADA




La guta se aplica directamente del tubo o se introduce en un botecito pequeño al que colocaremos en la boca un pequeño aplicador. Necesitaremos también un bastidor, chinchetas de tres puntas para asegurar la seda y un par de caballetes ya que si el bastidor es de gran tamaño lo ideal es trabajar en horizontal.





BASTIDOR SOBRE CABALLETES



Una cinta especial para pegar al bastidor y evitar que éste se ensucie. Pinceles, de varios tamaños que cuidaremos y guardaremos siempre limpios, con la punta hacía arriba y nunca metidos en agua.

Lápiz blando para calcar o dibujar el diseño y papel de calco si es un diseño calcado lo que vamos a trabajar. 




CALCANDO EL DISEÑO



Finalmente pequeños utensilios como botes de cristal para mezclar los colores primarios y conseguir tonalidades varias. Bastoncitos de algodón para aplicar el color en pequeñas superficies. Sal para efectos especiales, alcohol con el mismo fin y también para diluir algunas pinturas, aunque según qué marcas se diluyen con agua simplemente.




 MARCADO DEL DISEÑO CON LA GUTA




Ahora hablaremos de las técnicas someramente.

La más clásica sería aquella en la que, según un diseño ya calcado o dibujado sobre la seda, lo “delineamos” con guta y rellenamos con colores que no se mezclaran entre ellos por ser precisamente esa guta la que sirva de impedimento. Eso sí, podemos “jugar” con el color de la guta para añadir viveza al diseño. Se aplica la guta, se deja secar muy bien y se rellena.





PRECIOSO DISEÑO 



La otra técnica sería la de acuarela. Aquí no se utiliza la guta como instrumento de separación, todo lo contrario. Es un trabajo “libre” y los colores se aplican unos al lado de otro, haciendo que se entremezclen entre ellos formando colores variados. Además los bordes no tienen nada que los contengan y se vuelven irregulares dando gran viveza a la obra. 



 
ACUARELA SOBRE SEDA




También se juega con el momento de la aplicación del color, siendo diferente el resultado si el soporte (la seda) está más o menos húmeda, si se aplican los colores seguidos sin dar lugar a que sequen, o si, por el contrario, se deja secar un color antes de aplicar el siguiente de forma que quede su borde bien seco y marcado añadiendo efecto al dibujo.



Y también hablaremos de algunos “efectos especiales” que dan resultados bastante espectaculares. Entre otros, el efecto sal y el que resulta de la aplicación de alcohol.




 PAÑUELOS CON DIFERENTES EFECTOS




Llamo espectacular al resultado de estos “efectos” porque, por ejemplo, al añadir sal sobre la seda previamente tintada, con apenas trabajo, tendremos una obra única. Probad a esparcir sobre la superficie, previamente tintada y aún húmeda, partículas de sal gruesa. Dejad que “absorban” la humedad de los colores y veréis que, en función del tiempo que permanezcan sobre la seda, el resultado será como he dicho espectacular. Estoy segura de que me daréis la razón.




 EFECTO SAL




El alcohol también nos va a ayudar a conseguir buenos efectos. Si bien la irregularidad de los colores, esos corros que se forman, en ocasiones resultan que afean el dibujo, podemos utilizar esas irregularidades precisamente para que resulten creativas.

Si aplicamos alcohol con un pincel, la tela se “desteñirá” en la zona aplicada y podemos jugar con ese efecto.

También se pueden “salpicar” gotas de alcohol. No hay ni que decir que todas estas técnicas hay que probarlas y experimentarlas mil veces hasta conseguir el “punto” que deseemos.

Cuando hemos terminado de pintar y el trabajo está bien seco, en general, los colores se quedan fijados. Según la marca utilizada algunos precisan de un planchado y antes de ello se fija con calor seco (un secador de pelo) y se enjuaga en agua para eliminar la guta, se escurre, se enrolla en toallas, y se plancha la pieza aún mojada. Y así queda fijado.





 UN DISEÑO VANGUARDISTA





Y hablaba de diferentes marcas y pinturas a la hora de fijar, porque en un tiempo nosotras utilizamos pinturas francesas que requerían un fijado bastante complicado. Era preciso envolver todas las piezas, por separado, en papel de periódicos y colocarlas en la cestilla de la olla a presión. Allí se ejercía un “baño de vapor” que eliminaba pigmentos y guta, fijaba el color y quedaban preparados para planchar.

Hoy en día, por suerte, hay multitud de marcas que han facilitado estos procesos.
Así que en la medida que la parte técnica es más fácil, la creatividad tienen aún más posibilidades.




NOTAS: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.
Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.

Para la elección de otro IDIOMA ir con el cursor al final de la página.

Fuentes consultadas:
Pintura sobre seda. (Edit.Ceac)
Pintura sobre seda. Pañuelos (Edit.Ceac)
Artesanía Textil. (Edit.Altafulla)

Para la fotografía: las mismas y la red.

domingo, 6 de mayo de 2012

EL BATIK, una joya artesanal.


En diversas entradas de este blog he escrito sobre el arte textil. Las agrupé relatando un poco de historia, la importancia del textil en diferentes culturas y el textil en nuestros días. Fundamentalmente hablaba del tejido y de los tapices con todo lo que ello conlleva, materiales, tintes, diseños y un largo etc. (entradas 23 de Abril de.2011, y 2 y 7 de Mayo de 2011)





BATICK . TÉCNICA CON VARIOS PINCELES



Pues bien, hoy vamos a viajar un poco hacia un Arte que tiene también como soporte la tela, pero que es bien diferente. Me refiero al Batik, también llamado en ocasiones, aunque no es del todo exacto, pintura sobre tela.

Me refiero a que no es exacto decir pintura sobre seda porque si hablamos de Batik tenemos que decir que es una técnica muy concreta: aquella que se realiza a base de reservas. Puede haber pintura sobre seda que también utilice estas reservas, pero no hay batik que no las utilice.



  
TÉCNICA: PASO 1


Estas reservas suelen ser a base de ceras y en función del lugar, de las antiquísimas técnicas, e incluso de las tradiciones, se aplican de una forma u otra, pero en todas ellas es esa reserva de cera, la posibilidad de ir aplicándola en capas y su capacidad para quebrar la que nos dará como resultado esas bellas telas de batik de diferentes tonos y diseños. Se puede aplicar cera cuantas veces se quiera, reservando parte del tejido, quebrando la cera de reserva entre capa y capa de manera que penetren los colores. 



 
TÉCNICA: PASO 2


Hay diversos soportes y diversas formas de trabajar el batik. Un soporte importante fue y aún es el algodón, pero la seda sin duda pasó a tener un lugar imprescindible a la hora del utilizarse para el batik. También se trabaja el lino, la gasa, la lana y hasta el terciopelo.




 TÉCNICA : PASO 3



Se podría decir que todo soporte es factible de ser trabajado salvo si es sintético. El motivo se debe a que una tela sintética no soportaría el trabajo con las ceras calientes y se deformaría. Otra condición es que la tela carezca de “cuerpo” o en caso contrario se lavará antes de trabajarla.


Sobre los colores diremos que los fondos serán claros, blancos o de tonos beiges para ir añadiendo los colores más fuertes en capas posteriores.



 
DISEÑO PARA UN SARONG


Y en cuanto a la técnica en sí se podría decir que va desde la forma más simple, el llamado batik de goteo, hasta el batik con tjanting, pasando por batik con esponja, con pincel y alguno más. También se utilizan técnicas mixtas uniendo varias como la que utiliza pincel y tjanting. ¿Qué tienen en común? Que en todas ellas se utiliza la reserva de cera.





  LA TÉNICA DEL TJANTING


Aquí hablaré un poco del Batik con tjanting. La elección se debe a que he visto su realización “in situ”. En general intento traer hasta estos “Encuentros” experiencias ya vividas y escribir sobre artistas cuya obra he presenciado o museos ya visitados. No siempre es posible, pero ante varios trabajos, siempre escribiré sobre aquel que he visto en persona. 



 
TEJIDO AFRICANO


Hay muchos lugares dónde los talleres de batik abundan y son de gran calidad. Muchos países con una gran tradición. Sin duda, Malasia, Indonesia, India y Sri Lanka son los que más fama tienen pero África es un continente en el que el batik está presente en todas sus culturas.

 
No obstante, yo os hablaré un poco del Batik de Sri Lanka (antigua Ceilán) por haber tenido la inmensa suerte de ver como se trabajaba.




TALLER ARTESANO EN SRI LANKA



Si el batik de África tiene su peculiaridad a la hora de diseño y colores y aquel que se trabaja en los países antes mencionados las suyas, hay que decir que Sri Lanka tiene un batik propio en cuanto a soporte, diseño y calidad.

Su uso ha enraizado totalmente en la población, su comercialización es una de las riquezas de la isla y su diseño, ya sea tradicional o más moderno, es siempre colorista y lleno de fuerza. Todo ello hace que el batik de esta isla tenga nombre cingalés.




BATIK.S TIPICOS DE SRI LANKA




Como sabéis a esta pequeña isla se le denomina “la lágrima de India”, por su forma característica y por estar situada justo al sur de esta inmensa nación, que la hace semejante a una lágrima que aflora de una cara. La rica tradición histórica de la isla envuelve en colores y misterios los orígenes de este pueblo. Destaca una interpretación del Mahavamsa (texto literario) que sitúa su origen en la llegada de los cingaleses, pueblo indo-ario desde India. Precisamente el grave conflicto de esta mayoría cingalesa con la población minoritaria Tamil ha saltado en numerosas ocasiones a la prensa resultando que cuando se hablaba de Sri Lanka la asociásemos a su larga guerra interna



Pues bien, por experiencia propia tengo que decir que esta isla merece ser conocida, no por estos conflictos, sino por ser una caja repleta de bellas sorpresas y una de ellas es su artesanía.


No hay duda que si se habla de Sri Lanka hay que mencionar sus piedras preciosas, pero hay muchas otras joyas en la isla. El batik es una de ellas. Mencionaré también la madera como otro de los materiales que proporciona auténticas obras de arte llenas de misterio y colorido. Sus máscaras y marionetas son famosas. 




 CEREMONIA CON DANZAS TRADICIONALES


Podría extenderme largamente sobre lo que nos puede deparar este pequeño país porque también en el terreno del teatro, la música y las danzas existe una larga tradición. Las danzas precisamente son algo imprescindible de contemplar ya que las ropas multicolores que lucen en sus ritos y bailes son prueba inequívoca del dominio del arte del batik, de este batik que hoy vamos a conocer un poco.



 
BATIK DE DISEÑO TRADICIONAL



Como antes mencionaba, el batik se puede trabajar de muchas formas. En la isla posiblemente lo hacen de más de una manera, pero yo asistí al trabajo de batik con Tjanting y pincel.

Primero apuntaré que el batik está presente en casi todas las prendas utilizadas por la población. La prueba de ellos es que encontraremos prendas tradicionales como el sari o el sarong, pero también camisetas y faldas de corte mucho más moderno.





COLORISTA SARONG DE USO HABITUAL



La forma más sencilla de batik es el trabajado para su posterior uso cotidiano en ropa para la casa como cortinas y similares o para la fabricación del sarong, prenda de uso diario. El “sarong” es algo así como un pareo “cerrado”, que parece más bien una funda de almohada o largo tubo y que es utilizada por los hombres a modo de “falda”. Se la visten y se la anudan en la cintura. 



 
JOVEN CINGALESA CON FALDA DE BATIK 



La mujer, en general, no utiliza el sarong. Aunque podamos encontrar mujeres ataviadas con faldas de rico colorido, la prenda femenina es el sari de clara influencia india, aunque con su propia personalidad Impresiona ver a las mujeres de Sri Lanka ataviadas con sus saris artesanales, de perfecta combinación de colores y de exquisita elaboración. Incluso los utilizados para ir al duro trabajo de las plantaciones están perfectamente armonizados. Hay en ellas un innato sentido del color y del diseño a la hora de conjuntar las piezas que lo componen.

 
Estos diseños para uso cotidiano son más sencillos y modestos, pero la riqueza del batik se extiende a diseños artesanales que son verdaderas joyas y que se pueden apreciar en prendas utilizadas para ceremonias y fiestas.



  
SARI TRADICIONAL



Hablaremos un poco del método de Tjanting. Junto al pincel es el más utilizado en India y países como Malasia e Indonesia, países de gran tradición en este Arte. No podemos olvidar que el batik indonesio esta denominado Patrimonio Cultural en la lista de la Unesco. Se necesita para trabajarlo, un soporte que en el caso de Sri Lanka, por lo que pude constatar, en la mayoría de los talleres era el algodón, un calentador de cera, bastidores, el tjanting y pinceles.




ARTISTA ARTESANO TRABAJANDO CON EL TJANTING




El Tjanting es un “pequeño” recipiente en dónde se coloca la cera y cuya punta en forma de pluma de escribir va a permitir que ésta caiga y dibuje sobre el soporte. En algunos talleres de Sri Lanka este Tjanting era totalmente rudimentario y se había sustituido por un pequeño trozo de caña al que se le había afilado la punta por dónde corría la cera.



 

REALIZANDO LA RESERVA CON PINCEL



La tela se coloca sobre el bastidor bien tensa y se aplica la cera que marcará el diseño que antes se habrá dibujado sobre papel. Estas líneas de cera van a resultar blancas puesto que las tintas y colores no tocaran esas reservas. Después se aplica la primera capa de color que será la más clara. No olvidemos que se trabaja de claro a oscuro. Se deja secar y se vuelve a utilizar la cera que volverá a hacer reservas. Y así hasta terminar en los colores más oscuros.


Después se introduce en agua hirviendo con productos que hagan disolver la cera y fijar el color. A más colores, más laborioso es el trabajo en cuanto a dificultad y tiempo invertido.

 
Tanto en las ceras, como en los colores y los diversos productos utilizados, intervienen fórmulas ancestrales utilizadas desde siempre y en las que los productos naturales son la base y que han sido transmitidas a través de generaciones.



 ELEGANCIA EN EL TRABAJO.EN LAS PLANTACIONES DE TÉ



Sri Lanka con su clima tropical tiene una naturaleza explosiva. Pocas veces se puede encontrar tantas variedades de árboles, plantas y flores en tan poco espacio. La preservación de la naturaleza y el cuidado de las especies es tema de Estado. Y no es de extrañar porque podríamos añadir como otras joyas de la isla sus jardines y espacios naturales protegidos.


Espero haber dejado algunos datos de este Arte ancestral que tan mimado y conservado se mantiene en esta pequeña isla. Sirva para animar a otros países y culturas a tratar con el mismo rigor y cariño los usos y tradiciones que albergan.

NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.
Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.


Fuentes utilizadas:
Batik. Dibujos sobre tela (Edit.Ceac)
Pinturas sobre tela (Edit.Ceac)
Artes y oficios de ayer (Edit.Folio)
Sri Lanka, los libros del viajero (Edit.El País)
Archivo propio.
Para la fotografía: las mismas.