sábado, 15 de diciembre de 2012

EL PODER DEL ARTE



La entrada de hoy va a carecer de texto porque las imágenes que os traigo no lo necesitan.

Hace unos días  llegaron a mi buzón unos dibujos que al parecer están por la red. He conseguido saber quién es el autor de esta serie que es verdaderamente conmovedora gracias a la amabilidad de un visitante a estos Encuentros.

Desde aquí, al igual que hago en la respuesta al amable comentario que me escribe, le agradezco que nos envíe el nombre del autor que aquí os señalo. Se trata del pintor e ilustrador polaco de nombre Pawel Kuczynski.

 Os dejo con esta muestra del poder que tiene el Arte para expresar, denunciar, abrir las conciencias y mucho más, y todo ello sin pronunciar una palabra, sin escribir una letra. He aquí la elección que yo he hecho de entre todos los que me llegaron.

Un saludo a todos los que os acercáis hasta aquí y los mejores deseos para todos vosotros. 



 DIBUJO 1



DIBUJO 2



DIBUJO 3



DIBUJO 4




DIBUJO 5




DIBUJO 6



DIBUJO 7



DIBUJO 8



DIBUJO 9



DIBUJO 10




DIBUJO 11





NOTAS: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.
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domingo, 2 de diciembre de 2012

Los otros surrealistas. OSCAR DOMÍNGUEZ




Como en todos los campos, en el Arte también sucede que unos se llevan la fama, merecida o inmerecidamente y otros muchos quedan en el camino. También sucede aquello de que “nadie es profeta en su tierra”. Por suerte esto último no se ha cumplido con Oscar Domínguez que ocupa el lugar que le corresponde en su tierra canaria, pero puede ser que si sucede algo de lo primero. Domínguez ha estado, por decirlo de alguna forma, a la “sombra” de otros surrealistas, tanto de Dalí como de Bretón. 



COMPOSICIÓN SURREALISTA



Es considerado “el tercer surrealista”, pero haríamos bien en detenernos en su obra porque además de tener un lugar propio dentro del surrealismo es bien interesante analizar toda su trayectoria. Yo particularmente me siento muy atraída por la época en que se aprecia la influencia de la obra de De Chirico en la obra de Domínguez. 



FIN DEL VIAJE



Es curioso observar que si vamos a tener el privilegio de admirar la obra de Domínguez es gracias a que el espacio en que se va a ubicar la exposición ha quedado provisionalmente vacío al viajar las obras de Dalí que en él se encontraban, hasta el Centro Pompidou parisino.



 HOMENAJE AL GRECO 1937



 Gracias a ello Oscar Domínguez, el surrealista considerado por debajo de Dalí viajará hasta Madrid en una colaboración con el Tenerife Espacio de las Artes (TEA) para ser expuesto, como bien merece, en un lugar preferente en el Reina Sofía.



 TENERIFE ESPACIO DE LAS ARTES


Hemos de apuntar que en el Tenerife Espacio de las Artes (TEA), existe un centro dedicado exclusivamente dedicado a su obra llamado Instituto Óscar Domínguez.



 LOS SIFONES



El Reina Sofía nos ofrecerá dos temas de Domínguez: los objetos y las decalcomanías. Las decalcomanías fueron descritas en más de una ocasión por Bretón y se refiere a una técnica que consiste en extender con un grueso pincel guache negro sobre una lámina de papel blanco satinado que se recubre con otra igual y se presiona rápidamente. Esas manchas que brotan como del subconsciente se convierten en figuras, paisajes, fondos marinos y diferentes formas. Bretón atribuyó esta técnica al artista de Tenerife. 



 COMPOSICIÓN 1939



Oscar Domínguez nació en Tacoronte (Tenerife) en 1903. Hijo de un terrateniente, quedó huérfano de madre a temprana edad. Esto le llevó a vivir con su abuela en La Laguna en dónde pronto encontró una fuente de inspiración para sus obras. Las arenas negras de sus playas. En 1927 su padre le enviaría a París de donde tuvo que regresar en 1928 para cumplir el servicio militar, pero esta ciudad marcaría su trayectoria artística. Conoce a Bretón y entra de lleno en el movimiento surrealista. 





 CAJA CON PIANO Y TORO




Es de gran interés observar la influencia tanto del surrealismo como de la obra Picasiana en el trabajo de Domínguez, pero aún teniendo épocas de clara influencia de otros artistas, Domínguez ,una vez lograda su madurez, fue un artista innovador y vanguardista. Óscar Domínguez es considerado hoy en día uno de los mayores exponentes mundiales de la vanguardia histórica española que se gestó en París.




 LOS CARACOLES 1940



La técnica que anteriormente menciono, la decalcomanía, fue revolucionaria y aceptada con gran entusiasmo por todas las vanguardias del momento.

Domínguez aplicará los principios de la decalcomanía a los lienzos que están inspirados en motivos de su isla, evocando la naturaleza isleña o el océano. Esta técnica tendrá también una fuerte presencia en el movimiento abstracto posterior. 




 MAQUINA DE COSER ELECTRO-SEXUAL



También fue un teórico dentro del surrealismo aportando una teoría sobre la petrificación del tiempo, introduciendo formas cristalizadas en sus composiciones. Como otros artistas del movimiento, su obra no se limitó a la plástica. Oscar Domínguez fue considerado un buen poeta.




 MAPAMUNDI 1943


Sintió una gran admiración por de Chirico. Algunos de sus  cuadros como El Mapamundi y algunos otros muestran la gran influencia que tuvo en una época la pintura del pintor metafísico. 



 LA CHAMBRE NOIRE 1943



La aproximación a la obra de Picasso le apartó de Bretón y fue expulsado del movimiento surrealista.
 
Durante la Guerra Civil española estuvo refugiado en su isla y durante la guerra mundial estuvo escondido de los nazis en Marsella. Más tarde regresaría a París.



  CABALLO DE TROYA 1948



Después de la guerra recibiría numerosos homenajes en Alemania y Checoslovaquia, pero anteriormente la obra de Domínguez había sido expuesta en numerosas ocasiones.


Su periplo comenzó en el Círculo de Bellas Artes de su isla junto a la artista francesa Lilly Guetta en 1928 y posteriormente en 1933 en el mismo lugar expondría en solitario.



 DRAGÓ 1933




De esa época datan, según dicen sus biógrafos, algunas de sus mejores obras como “Máquina de coser electro-sexual” (1934), “Retrato de Roma” o “Le Dimanche.



RETRATO DE ROMA 1933



Sus primeras obras de principios de los años 20, presenta un artista bohemio, todavía en búsqueda de su factura. Al poco tiempo de su primera exposición, su pintura sufre un vuelco y comienza a dirigirse hacia lo fantástico. La influencia surrealista se hace presente y será una constante en su pintura.



 LE DIMANCHE 1935



En “Le Dimanche”, datado en 1935, encontramos un lienzo que presenta una perfecta ejecución. Muy influenciado por Dalí, se puede decir que en la fecha en que se realizó, el pintor era ya un auténtico maestro. 



 CABEZA DE TORO



Las figuras de los caballos así como las corridas de toros, a la que era gran aficionado, al igual que Picasso, anuncian una fijación que se va a repetir como una constante en la obra del artista.

   
El artista vivió los últimos años de su vida preso de una locura que le llevaría al suicidio en la Nochevieja de 1957. Sus restos descansan, como no podría ser de otra manera, en el cementerio de Montparnasse junto a otros tantos artistas.




 
 ARBALETTE 1950 (Museo ARTIUM de Vitoria)




En 2008 el director Lucas Fernández llevó la vida del artista al cine en la película “Oscar, una pasión surrealista”. El actor portugués Joaquim de Almeida fue el encargado de dar vida al pintor.




 

  AUTORRETRATO




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Fuentes consultadas:
Archivo propio
Wikipedia y diversas fuentes en la red.
Para la fotografía:
Las mismas



domingo, 14 de octubre de 2012

FERNANDO BOTERO, la voluptuosidad total.



En estos últimos tiempos las entradas de este blog se han detenido en el País Vasco, concretamente en nuestros museos bilbaínos. No es de extrañar porque tanto el Guggenheim como el Bellas Artes nos ofrecen habitualmente variedad y calidad. Difícil olvidar la reciente exposición de Hockney (este blog 26 mayo 201) en el Guggenheim o la gran exposición del Bellas Artes dedicada a Antonio López (este blog 5 enero 2012 ) que tuvo que prolongarse por la gran afluencia de amantes del arte.






Me refiero a ambos porque coinciden en el tiempo, en la ciudad y en ser artistas que aún están entre nosotros. Pues bien, ahora tenemos dos nuevas oportunidades para los que vivimos en esta tierra. Por un lado, en el Guggenheim, a Egon Schiele (este blog 7 agosto 2011 ) el gran artista suizo fallecido en plena juventud y en el Bellas Artes a un artista “redondo”, no solo en la manera de manifestar su arte, sino en cuanto a completo a la hora de expresarlo en diferentes disciplinas. Me refiero a Fernando Botero (Medellín-Colombia 1932) uno de los artistas vivos más importante que ahora mismo tenemos la gran oportunidad de conocer.

Pero no voy a escribir aquí sobre la obra pictórica de Botero y no porque no la considere importante, sino porque no habría espacio suficiente para ello en este modesto blog. 







Creo que en el Botero pintor e ilustrador encontramos al artista que es consciente de la sociedad que le rodea y que es capaz de, a través de sus personajes voluptuosos, expresar esa realidad social amplia, con humor desenfadado o sátiro, analizarla, denunciarla si es preciso, en una palabra, su obra pictórica, como apunto, merece una entrada dedicada exclusivamente a ella, así que nada mejor que animar a los que están cercanos a Bilbao a visitar la exposición.
  
Yo mientras tanto me decanto por una disciplina que me motiva mucho y que siempre me ha atraído del artista colombiano; La escultura.

Los que han seguido un poco este blog saben que hay muchas entradas dedicadas a la escultura y conocen también mi inclinación a dedicar artículos a disciplinas que llevan el arte a la ciudad, que acercan el arte a la población. En una palabra que hacen que el arte esté presente entre nosotros.







La obra de Botero es inmensa, redonda y voluptuosa y considero que es idónea para ocupar el espacio urbano. Siempre he pensado que aquello que quería expresar a través de la escultura, gracias a esa redondez carente de aristas, resultaba también carente de agresividad y hasta amable. Para mi la redondez es algo que nos aproxima a la naturaleza y a la dulzura y en el medio urbano resulta un componente idóneo del equilibrio que tanto necesitamos. 






Dicen los que han estudiado la obra de este gran artista que una vez hallado su estilo personal, este se caracterizó por un vitalismo burlón. Yo, como humilde espectadora coincido en parte con esa apreciación. Creo que efectivamente decir Botero es decir volumen, decir vitalidad, decir voluptuosidad, pero no estoy tan segura de que el calificativo burlón sea el adecuado. Más bien creo que el volumen, efectivamente, es una exaltación de todo lo que nos rodea, desde relaciones humanas, amor, miseria, en una palabra es el costumbrismo expresado en su máxima potencia, pero no encuentro ese toque de burla. Más bien veo, en ocasiones, un toque cáustico en su obra. Pero claro está, doctores tiene la iglesia y esto son pensamientos míos. 




  EL RAPTO DE EUROPA




En todo caso no es objeto de esta pequeña entrada hacer un análisis de su arte, sino traer la escultura de Botero hasta aquí haciendo coincidir esta Entrada con la feliz visita del artista a Bilbao, ya la obra expuesta es principalmente pictórica y la escultura casi se puede decir que tiene una presencia anecdótica puesto que una sola de sus obras se deja ver en la muestra, la denominada “Caballo con bridas” que se asienta en la Gran Vía Bilbaína frente al BBK, entidad que patrocina la exposición.




 FRENTE AL BBK DE BILBAO



 
Fue a partir de 1976-77 cuando el artista comienza a dedicarse más a la escultura. El Gran Palais de París expone en 1977 obras del Botero-escultor y en 1978, en Hannover, presenta un gran número de obras escultóricas en la Galería Brusberg de esa ciudad.
 
La rotundidad de su obra es mayor aún en la escultura, sobre todo cuando nos encontramos con esculturas fragmentadas o con diferentes partes del cuerpo humano contrastadas.


Los Campos Elíseos de París y la ciudad de New York reciben al escultor en los años 1992-93. Sus raíces colombianas se hacen bien patentes en estas inmensas obras que nos recuerdan mucho al arte precolombino

En ocasiones, admirando la obra de este artista, encontramos una mezcla entre el arte popular de algunos países de América latina y el de los grandes pintores como Rubens y el de otros maestros del arte universal.








Fernando Botero aunque colombiano, tiene una estrecha relación con la Toscana. Concretamente con la ciudad de Pietrasanta de la que es ciudadano de honor. Sus antepasados son originarios de Italia, emigrantes que partieron a Medellín, pero además de ello, las fundiciones de esta localidad son las que nos permiten el milagro de admirar la obra del escultor hecha realidad. Son las que convierten en bronce los bellos volúmenes de Botero. La ciudad también tiene una estrecha relación con las canteras que la rodean. Se encuentra muy cercana a Carrara. Dicen que el propio Miguel Ángel seleccionaba en esta zona de canteras el material para sus obras.








En Carrara y alrededores encontramos el material. En Pietrasanta a los artistas que hacen realidad el arte.

Podría decirse que Carrara es la cantera y Pietrasanta el arte, puesto que a lo largo de los años se han ido incrementando las actividades artísticas a la ya mencionada fundición en bronce.
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El apasionante proceso de la fundición en bronce ha atraído a los grandes artistas hasta aquí y desde luego tiene que ser un lujo poder ver “in situ” la transformación de la obra de Botero, de semejantes dimensiones, desde el humilde barro hasta el soberbio bronce.




 FUNDICION DE LA OBRA EN EL TALLER



Esa transformación de la pieza a pequeña escala en barro, a un molde a tamaño real y finalmente como se vierte el cobre fundido que nos dará la pieza deseada, tiene que ser apasionante. Las obras del artista, dado su gran tamaño, se elaboran pieza a pieza y antes del toque final se unen por soldadura.


La población que en un principio comenzara con el mármol, alberga  ahora ocho grandes fundiciones famosas en todo el mundo y que ha llevado el nombre de la ciudad a ser conocida como un referente en el Arte.






Sobre la obra pictórica de Fernando Botero que llega al Bellas Artes de Bilbao, os dejo aquí la página del museo. En ella tenemos una extensa presentación del artista y su obra que sin duda invita a no perderse una vez más, la calidad que nos ofrece la pinacoteca bilbaína.



Y aprovecho esta Entrada para hacerme eco de la distinción que ha recibido el Museo Bellas Artes. La Fundación DOCOMOMO (Fundación para la Documentación y Conservación del Arte Moderno) ha otorgado esta distinción por la importancia del edificio moderno del Museo. (ver noticia ampliada en la web del museo arriba adjunta).



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Fuentes consultadas:
Arte Latinoamericano del siglo XX.  Sullivan. (Edit.Nerea)
Arte Latinoamericano Siglo XX. Edward Lucie-Smith. (Edit.Destino)
Museo Bellas Artes de Bilbao.
La Vanguardia Magazine.
Para la fotografía: Las mismas y la Red.

martes, 28 de agosto de 2012

LA DEUTSCHER WERKBUND, semilla de La Bauhaus





Así como La Bauhaus (este Blog 16 y 23 de Mayo de 2010) es conocida incluso a nivel popular, no sucede lo mismo con la Deutscher Werkbund, que podríamos decir que fue la semilla de la primera.


 DISEÑO EN CRISTAL


Esta primavera tuve la oportunidad de visitar una interesante exposición que me acercó a este movimiento que se puede considerar la base para lo que más tarde sería La Bauhaus. Entre muchos de los que apoyaron y se implicaron en ese proyecto estaría precisamente Walter Gropius, que posteriormente tomaría las riendas de La Bauhaus, siendo uno de los fundadores. 



 GROPIUS FACTORIA



La exposición, aún vigente hasta el 29 de septiembre, se encuentra en el Museo de Artes Decorativas de la ciudad de Madrid bajo el atrayente título de “100 años de Arquitectura y Diseño en Alemania. Deutscher Werkbund 1907-2007”

Desde aquí os animo a disfrutar de la Exposición, y también del magnífico edificio sede del Museo, cuya fachada de ladrillo rojo y piedra, sus escalera de mármol de estilo imperial, y sus paredes ricamente decoradas con mosaicos y pinturas italianas, proporcionan al visitante la oportunidad de visitar un museo que es una más de esas sorpresas que nos ofrece la capital madrileña. Os añado la web de este Museo.



Dejaré para vuestro descubrimiento la colección propia del museo compuesta por documentos, objetos y diferentes piezas, tanto de España como de otros países europeos y de Extremo Oriente, y me centraré en el tema de la Entrada de hoy. La exposición temporal sobre La Deutscher Werkbund.



 SELLO CONMEMORATIVO



Era ésta una asociación mixta compuesta por arquitectos, artistas, pedagogos, diseñadores y otros profesionales y artistas que tenía como objetivo lograr la mayor calidad posible en los diseños industriales, diseños que habían ido perdiendo calidad artística con el avance de la industrialización. Ese buen hacer en el diseño y esa búsqueda de la calidad en productos, llamémosles industriales, sería algo fundamental para la cultura del Diseño que todos conocemos en la actualidad.



 ARQUITECTURA WERKBUND EN PRAGA



Fundada en Munich en 1907, por Hermann Muthesius, se extendería a otras ciudades y dejaría su huella en la arquitectura, el diseño y la industria de todo un siglo. De ahí el interés de esta exposición ya que nos muestra la filosofía del proyecto en un recorrido por toda la historia del movimiento que abarca desde las colonias de edificios representados en las maquetas que se exponen, pasando por el interior de esos edificios, con su mobiliario práctico y vanguardista, y todo lo que surge del diseño industrial en ese siglo. Por supuesto, el diseño gráfico está muy presente y encontramos una amplia muestra de carteles anunciadores de las diferentes muestras y exposiciones. 



 DISEÑO INTERIOR WERKBUND



Si el objetivo de La Deutscher Werkbund era lograr el despunte de la industria alemana en competición con la de otras potencias como la americana o la de Gran Bretaña, lo logró ampliamente, pero en mi opinión, tan importante como ese logro es la base o filosofía del movimiento, aquella que perseguía que el trabajo profesional tuviera la misma categoría que el artístico y artesanal. Que fuera un todo. Y para conseguirlo toda la sociedad debía de estar implicada. Todos los ámbitos sociales como aquellos dedicados a la educación, a la formación, los medios de comunicación etc. Otra de las pruebas del éxito de este movimiento se vería posteriormente en lo que fue La Bauhaus, nacida del embrión de La Deutsher Werkbund.


  JUEGO DE CAFÉ DE DISEÑO CLÁSICO


Hay que inclinarse ante el trabajo de todos ellos, ante la creatividad y tesón para lograr éxito en todas las disciplinas, como por ejemplo conseguir que en la arquitectura se lograra una auténtica revolución, tanto en los edificios como a la hora de urbanizar, sentando las bases de lo que sería el racionalismo. 



  WERKBUND ARQUITECTURA



Como podéis suponer un siglo de este movimiento abarca no sólo avances y cambios, también muchos enfrentamientos y contradicciones entre los muchos componentes e impulsores de la filosofía en que se basaba la Deutscher Werkbund. Esta Entrada no tiene por objetivo relataros toda la historia del movimiento, sino hacer un pequeño resumen y ser un pequeño “aviso” para que nos detengamos en los puntos más interesantes de un proyecto que fue revolucionario y sentó la base no sólo para La Bauhaus sino también para el mundo industrial actual.


TETERAS Y CAFETERAS EN METAL



No obstante, es importante hacer hincapié en esas confrontaciones, contradicciones y polémicas ya que son éstas precisamente las que dan la oportunidad de debatir e intercambiar diferentes puntos de vista y llevan a personas creativas a hacer historia. También considero de sumo interés que este movimiento abarcase todo un siglo con dos guerras mundiales de por medio ya que los grandes conflictos obligan a pausas o parones en la productividad pero a la vez son revulsivos para la creatividad.



  CARTEL ANUNCIADOR DE UNA EXPOSICIÓN



Como he mencionado, otras ciudades estuvieron implicadas en el mismo movimiento. Muy importante fue la ciudad de Colonia. Fue en esta ciudad dónde se construyó el teatro que albergaría la exhibición del Deutscher Werkbund en 1914. El arquitecto que lo llevó a cabo fue el belga Henry van de Velde y al parecer fue uno de sus mejores trabajos que además coincidió con el momento de más auge del movimiento antes de la primera guerra mundial. Desgraciadamente el edificio fue destruido apenas un año después a causa de la guerra.


 CARTEL DE LA EXPOSICIÓN DE 1914 


El interés por dar a conocer todo aquello relacionado con la Werkbund fue muy intenso y se logró a base de publicaciones, carteles, logotipos etc. Y es que la Werkbund abarcaba todo lo relacionado con el diseño industrial desde lámparas, mobiliario, juegos de té y café, pasando por locomotoras, aviones y por supuesto la industria gráfica como se ve en sus carteles y publicaciones. Los anuarios editados son una buena prueba del alcance que se logró en el arte gráfico.



 DIBUJO DE UNA DE LAS PUBLCACIONES




En su extensión europea pronto pasó a Suiza donde se le conoció con el nombre de Swiss Werkbund que tuvo la sede en Lausanne.



 LA TORRE DE CRISTAL



Si en arquitectura el movimiento representó una defensa de una construcción en la que estaría el hormigón o el vidrio y un hacer práctico, en la producción industrial, se logró que los objetos fueran, además de prácticos, más simples y menos superfluos sin perder por ello calidad, consiguiendo con esa sencillez y buen hacer la belleza que logra el Arte. Al final tenemos que rendirnos al “Menos es más” de Mies van der Rohe.




JUEGO DE CAFÉ DE DISEÑO VANGUARDISTA

La Deutsher Werkbund representa un siglo de enseñanza y aprendizaje, que enlazó con el proyecto de La Bauhaus y sentó las bases del diseño pero también el camino del cambio de lo que hasta ese momento se había considerado Arte e Industria, Arte y Artesanía



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Fuentes consultadas: La Bauhaus . Ed. Jeannine Fiedler y Peter Feirabend
Historia del Arte del siglo XX. Ed. Taschen
Arquitectura del siglo XX. Ed. Electa
Para la fotografía: Las mismas, la red y Catálogo Museo Artes Decorativas.