miércoles, 23 de noviembre de 2011

ARTE espacio urbano, naturaleza ARTE y más...




Como resultado de los últimos artículos, más de un visitante a estos Encuentros me ha escrito sobre el tema del Arte en la calle, del Arte en espacios cerrados e incluso de la privacidad o no privacidad del Arte. Esta entrada no tiene ningún fin concreto sino el de, si es posible, crear debate, recibir opiniones y crear un foro de discusión. Como sabéis los que os acercáis hasta estos Encuentros, en cualquier tema, y también en Arte, toda opinión es digna de ser escuchada y debatida, de toda opinión diferente a la propia nos podemos enriquecer, y además teniendo como núcleo principal el Arte, ya se sabe que “sobre gustos…..nada está escrito”.




MAMÁ de BOURGEOIS en el GUGGENHEIM de Bilbao



Y después de esta pequeña introducción voy a comenzar la Entrada reflexionando sobre el Arte en el espacio Urbano, para continuar llevando el Arte al encuentro de la Naturaleza y terminar haciendo una pequeña reflexión, sobre la privacidad o no privacidad del mismo y lo que ello supone para el propietario, el ciudadano y para el propio artista.



Cuando pienso en el Arte y el espacio urbano, viene a mi retina inmediatamente dos disciplinas, la Arquitectura y la Escultura. Sobre la primera poco o nada voy a escribir porque no me considero suficientemente preparada para crear aquí un debate sobre ella, como mucho, podré dar una modesta opinión.


Por proximidad, me detendré en la que casi se podría llamar una revolución del espacio industrial que tuvo lugar en mi país, concretamente en Bilbao.




EL Museo GUGGENHEIM de Bilbao y su entorno



Todos los que hemos conocido Bilbao antes de la intervención urbanística que nos ha traído el Guggenheim y todo lo que le rodea, recordamos un Bilbao gris, y no sólo por el clima. La ciudad no tenía gran atractivo, es cierto, pero no hay duda de que aquellos espacios industriales, muchos o casi la totalidad abandonados, eran en potencia espacios que podían hacer resurgir la ciudad y llevarla a primera página de publicaciones de arquitectura, urbanismo, arte y por supuesto a toda aquella publicación de turismo que oferta todo lo anterior ,más nuestros verdes paisajes y hasta el clima, que para muchos también tiene su atractivo.



Pero claro está que saber ver ese potencial y sobre todo hacer que el Arte se instale en ese espacio, necesita de muchas manos además de la inversión económica. Con dinero se pueden hacer muchas cosas, pero son las manos del artista las que saben crear con ese potencial económico.



No voy a detenerme en la intervención urbanística como he dicho. Os remito a un libro que, centrado en el tema de urbanismo y las mega-construcciones, es de fácil y amena lectura y que en su día recomendé aquí mismo (blog 24.08.11) Se trata de “Arquitectura milagrosa” de Llátzer Moix.




Escultura de VICENTE LARREA en el Euskalduna de Bilbao




Sin salir de ese entorno voy a continuar en un paisaje urbano aunque cambiando de disciplina. Me detengo en la escultura, un arte que en mi opinión es idóneo para que sea relacionado con el espacio urbano. El artista aquí, además de mostrar su creatividad en la propia disciplina, debe, o debería tener suficiente capacidad para saber integrar su obra en ese espacio. No es tan fácil como parece, porque no sólo se trata del trabajo del artista, está también la disposición de aquel que ha adquirido la obra, en general instituciones públicas, para llevar a buen término la ubicación e instalación de la creación del artista tal como el la ha concebido. Y en este tema me adelantaría al tercer punto que también quiero comentar en esta entrada. La privacidad o no privacidad de la obra y las responsabilidades del que adquiere la obra. Pero vayamos por partes.




En cuanto a lo que aporta la obra en un espacio público, mi opinión es firme en algo que considero fundamental. Una obra de Arte, una escultura, aporta riqueza y belleza al espacio. Creo que es Cultura. Porque instalar Arte en la calle es educar y cultivar a la ciudadanía. Más bien diría que es un lujo poder disponer de Arte urbano.


Por otro lado, considero que hay obras de determinados artistas que tienen su lugar idóneo es el espacio urbano. Me explico. Son obras que en general se han ejecutado con el fin de ser instaladas en la calle, pero también en ocasiones, se tratan de obras que no habiendo sido creadas con esa finalidad, al ser ubicadas en un espacio urbano, han ganado en calidad y han engrandecido y enriquecido el entorno.





FIGURA RECOSTADA de HENRY MOORE




En este tipo de Escultura o Instalación incluiría a los dos últimos artistas que presenté en este blog, el pasado 14.10.11 y 5.11.1. pero también os remito a otros artistas escultores que pasaron por estos Encuentros como Henry Moore. (15.11.09), Barbara. Hepworth (18.10.09) el vasco Jorge Oteiza (26.10.09) cuya obra, toda una demostración de investigación vanguardista y creativa, nos sorprende con piezas que van desde la más pura demostración pedagógica, pasando por esculturas ubicadas en interior, hasta las grandes esculturas que nos atraen y maravillan en rincones del País Vasco, por no decir sus vanguardistas esculturas de temática religiosa, tan controvertidas en su día, que nos reciben en el Santuario de Aranzazu.




APOSTOLES de JORGE OTEIZA




Otro escultor cuya obra aparece en lugares urbanos y que también se ha ubicado en la naturaleza es la Anthony Caro (este blog 31.10.10) Curiosamente, una de las instalaciones más impactantes de Caro se ubica en interior. Me refiero al “El Juicio Final”. El Bellas Artes de Bilbao acogió esta maravillosa instalación que impresiona y que no dudo en decir que tiene su lugar idóneo en el interior de un museo. Su juego de luces y sombras es imprescindible para apreciar la obra en su totalidad.




El Juicio Final de A.CARO en su instalación en Venecia




Y entre muchos artistas, cuya creatividad nos han regalado multitud de obras para el disfrute de todos los ciudadanos no puedo dejar de detenerme en una mujer que nos demuestra el abanico de posibilidades que tiene una instalación. Por lúdica, alegre, y fascinante dejo el ejemplo de la obra de Niki de Saint Phalle. (este blog 14.02.10). Si precisamente he dejado a Saint Phalle para el final es precisamente porque creo que su obra se puede ubicar con toda facilidad tanto en un espacio al cien por cien urbano como en medio de la naturaleza.


Asombra que su obra, aún hoy en día, después de tantos años de la desaparición de su autora, se vea totalmente actual, y asombra también que unas creaciones tan vanguardistas se integren en medio de la naturaleza de una manera que no sólo no arremete contra ella, sino que le da vistosidad y colorido. Yo diría que se complementan.







Un ejemplo vivo de la obra de Saint Phalle en entorno urbano es sin duda su instalación en el espacio exterior del Centro Pompidou en París. No podría existir mejor lugar para sus divertidas esculturas. En cuanto a una integración cercana a la naturaleza no se me ocurre mejor ejemplo que las nanas ubicadas en el exterior del Museo de Arte de Estocolmo. Me diréis que también se trata de un espacio urbano, pero no es del todo cierto.




Nanas de NIKE DE SAINT PHALLE en Estocolmo



El entorno del Museo de Arte de la capital sueca es una bella zona boscosa que en otoño, cuando tuve la suerte de visitarlo, estaba ya cubierto de tonos casi invernales. La naturaleza, por otra parte presencia constante en esta capital, predomina en este lugar. Y allí entre tonos oscuros que anunciaban el invierno se alzaban las nanas bellas y coloristas de esta mujer que como apunto más arriba creó una obra atemporal. Hoy día es vanguardia.



Deteniéndome un poco más en el tema Arte-Naturaleza quisiera también dejar mi opinión. Hoy en día hay bastantes posturas encontradas sobre la intervención del artista en la naturaleza. Yo soy totalmente partidaria de que el Arte se integre, se incorpore y se acople a ella. Un artista habrá conseguido una obra perfecta en la medida en que ésta se convierta, de un modo u otro, en parte de la naturaleza sin que ésta se vea agredida. Veo totalmente innecesario “retocar”, “pintar”, “insertar” cualquier obra en nuestro entorno natural.




Árboles pintados en el bosque de Oma de AGUSTÍN IBARROLA



En mi opinión la integración debe hacerse a modo de incorporación. Algo muy difícil, pero que considero que debe de estar presente siempre que queramos que Arte y Naturaleza estén en armonía. Ensamblar sin atacar, incorporar sin agredir. Difícil sin duda, igual menos espectacular, pero también más respetuoso.


Y finalmente unas líneas para tratar un tema también bastante controvertido. El de la privacidad o no del Arte y sobre todo la responsabilidad que adquiere el comprador, sobre todo si se trata de una Entidad Pública ,respecto a la obra que adquiere.


Lo primero tenemos que distinguir si se tratan de adquisiciones privadas o llevadas a cabo por entidades públicas.




Obra de BARBARA HERPWORTH en el museo de la artista




No hay duda de que si la adquisición es privada todo queda entre comprador y vendedor. Los problemas pueden estar, y hemos tenido ocasión de comprobarlo, cuando la compra de la obra está a cargo de una entidad pública, digamos ayuntamiento, gobierno autonómico, estatal o similar.



En esos casos deberíamos de saber a quien corresponde la responsabilidad de cuidar de la obra. Hemos tenido muchos casos recientes que llegaron a juicio porque el artista demandaba el buen uso de su obra de arte. Es de justicia, en mi opinión, que aunque una obra haya sido vendida y el artista haya recibido el importe que le corresponde, que su obra, aquello que salió de sus manos sea respetada. Debería de existir un código que protegiese las obras de arte. Y no sólo eso. Si el artista crea una obra para una determinada ubicación debería también ser respetada. No podemos convertir el arte en algo tan mercantil como para que en el momento que se haya solventado la venta esa obra no sea respetada, porque no se respeta tampoco al individuo que la ha creado. Esa es mi opinión. Y hoy es el día que cuando paseo por las calles y veo una escultura atacada, mal cuidada o abandonada, creo que están atacando nuestro patrimonio y nuestra cultura. Es necesario educar en el respeto.




Escultura agredida de AGUSTÍN IBARROLA




El día 28.10.11 en el diario El País Isabel Landa dedicaba a este tema un artículo del que os dejo el párrafo de introducción:


Las esculturas son una de las creaciones artísticas más vulnerables en las plazas, paseos, parajes naturales y exposiciones al aire libre de pueblos y ciudades. El paso del tiempo no solo deja huella en el hierro, la madera o el mármol, la mano del hombre también provoca desperfectos, la mayoría de la veces intencionadamente

.

En cuanto a la privacidad de los grandes museos o lugares en dónde se ubican las obras de determinados artistas, supongo que a estas alturas no hay mucha duda. Si son propiedad del Estado o de una determinada Comunidad, estos tienen la obligación de mantenerlas y además de mostrarlas como bien cultural de forma gratuita a sus ciudadanos. Si se tratan de colecciones privadas, serán sus dueños los que las mantengan o en su defecto Fundaciones creadas a tal fin por mecenas del Arte.




Escultura de Eduardo Txillida en el museo TXILLIDA LEKU



Son muchos temas a tratar, pero estaría encantada de que se abriera más de un debate a partir de esta entrada.

NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.



Fuentes utilizadas: archivo propio. Diario El País de fecha de referencia.

Para la fotografía: Archivo propio y la red.

sábado, 5 de noviembre de 2011

RICHARD SERRA Y BRANCUSI, ENCUENTRO EN BILBAO




No va a ser el tema de esta Entrada esta maravillosa exposición que nos ofrece el Museo Guggenheim de Bilbao. El tema de hoy se centra en la figura del escultor Richard Serra. Si el título de la entrada hace mención a ambos escultores es precisamente porque ambas obras se han encontrado en este Museo y ello me ha dado opción a recordar la Entrada que en su día (este blog 7 noviembre de 2009) dediqué al escultor rumano.




Escultura de Richard Serra



Pero en la Entrada de hoy, me voy a centrar en la más cercana en el tiempo de Richard Serra.

Al hablar de Brancusi hacía mención a cómo el escultor fue derivando desde una obra influenciada por Rodin, hasta lograr su propio estilo que finalizaría en una escultura abstracta marcadamente ovoide y que es su factura inconfundible.


Con Richard Serra viajamos en el tiempo hasta avanzar a mediados del siglo y vamos a ver también su evolución.




Obra en interior de formato más pequeño



Ambos escultores son dos grandes de nuestro siglo. Podríamos decir que cada uno de ellos son dos maestros de referencia en el al arte de la escultura, separados por los años y que han venido a encontrarse en esta exposición que ya ha visitado otros museos europeos.



Ambas obras, tanto la de Brancusi como la de Serra se pueden admirar en la naturaleza, pero en mi opinión, yo percibo una clara diferencia. Si la obra de Brancusi se admira desde “fuera”, la de Serra nos incita a penetrar en ella. En la entrada dedicada a la obra de Jorge Oteiza, (este blog 12.10.2009) hice una afirmación similar cuando hablaba de la obra del escultor vasco. Y es que, y siempre en mi opinión, esa obra carente de peana, ubicada en espacios abiertos, se nos hace cercana, y nos “invita” a verla desde dentro.




"MOSTRANDO EL CAMINO"



Es una manera de aproximar la escultura al público que pienso que es muy importante para que el arte llegue a todos. Pasear por una ciudad en la que sus artistas han depositado su obra y ésta queda a “pie de calle” es un lujo que debería de estar al alcance de todos. Es una forma de educar.


Pero volvamos a Richard Serra, un escultor ya conocido para nosotros puesto que el Museo Guggemheim, además de haberle dedicado exposición, tiene obra propia permanente.






Serra nació en EEUU en 1938 y estudió en varias universidades americanas entre ellas Yale, pero es un artista muy vinculado a España en dónde ha realizado mucha de su obra.


De padre mallorquín y madre rusa, Serra estudio primero literatura, pero cuando vivía en la costa oeste americana trabajaba en una acería, algo que sin duda influiría en su obra artística.




Obra en caucho



En un principio en su obra nos encontramos con una serie de instalaciones o montajes a base de neón y caucho, pero posiblemente la obra más conocida es aquella realizada con materiales industriales como el acero y hormigón. Unos materiales de los que se vale para realizar una escultura de corte sencillo y a la vez espectacular. Las esculturas de Serra llevan un cierto tono de óxido al principio de su ubicación, pero llega un momento que este color se mantiene estable.




Instalación en el Guggenheim vista desde arriba



En nuestro país, y refiriéndome al Guggenheim de Bilbao, encontramos, entre otras, una gigantesca escultura denominada Snake (serpiente). Se trata de tres hojas de acero con trayectorias curvas y que fue instalada en el museo de forma permanente.


También de forma permanente se encuentran en la sala más grande del museo otras siete esculturas. El propio escultor dijo de toda esta serie que era la creación más grande de su carrera.




El artista instalando la obra en el Guggenheim




Aunque la relación entre el artista y España es muy estrecha y grata, no siempre ha sido así. El Centro de Arte Reina Sofía en 2006 anunció la “pérdida” de una de sus esculturas. Se trataba de una pieza de 36 toneladas. El artista duplicó gratuitamente la pieza que desde 2009 forma parte de la colección permanente de dicho museo.




Obra en el Reina Sofía



Podríamos decir sin miedo a equivocarnos que la fama del artista ha ido creciendo a la par que el tamaño de sus obras que pronto tuvieron que salir al exterior por sus dimensiones.




En Berlín 1986



Son muchos los lugares del mundo en dónde la obra de Serra puede ser admirada. En el año 2000 instalaba en San Francisco el “Charlie Brown”, una escultura de 60 pies de altura. En 2005 y de nuevo en San Francisco, instalaba dos láminas de acero en un espacio abierto de la Universidad de California.




CHARLIE BROWN




Una de sus obras más famosas, un enorme arco de una altura de 4 metros y 36 metros de largo que en 1981 se le encargó para la Federal Plaza de Nueva York, dio más de un problema al artista. Con esa altura y esa longitud, su grosor era mínimo, de centímetros, lo que hacía que los que tenían que atravesar el lugar se encontrasen con una pared de metal que dificultaba la marcha y se pidió un cambio de ubicación. Pero Serra concibe su trabajo en función del lugar al que va destinado y se negó a ello. A pesar de que la opinión ciudadana votó por su retirada Serra exigió que se destruyese. El artista dijo que se debía de dejar en ese lugar o en ninguno. Finalmente fue convertida en chatarra en 1989 y el mundo de la cultura se estremeció abriéndose un gran debate sobre quién debe decidir dónde situar las obras de arte, sobre quién debe de recaer la decisión, si sobre los políticos, sobre la ciudadanía o sobre el artista. Richard Serra encendió aún más la polémica al añadir que el arte no es democrático y que no es para el pueblo.




RICHARD SERRA en SAN FRANCISCO




No obstante su obra, por mucho que el artista opine de esa manera, es una obra cercana al espectador que además invita a éste a introducirse en ella, a tocarla y a disfrutarla. La prueba es que las ciudades desean tener las obras de Serra en sus calles.



ESTACION DE METRO. LONDRES



Nosotros, por suerte, la tenemos muy cerca y además estos días junto a la de otro artista imprescindible en la escultura. Brancusi y Serra nos esperan en un espacio idóneo para admirar a dos grandes de nuestro siglo.




El artista y su obra



Richard Serra obtuvo el Principie de Asturias en 2010.


NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.




Fuentes consultadas:

La Sculture 1 et 2 . Varios autores (Ed.Taschen)

Arte del siglo XX. Varios autores (Ed. Taschen)

La red en Wikipedia.

Para la fotografía: las mismas

viernes, 14 de octubre de 2011

ANISH KAPOOR. Hablemos de instalaciones.



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Los que visitan estos Encuentros saben que no me he prodigado demasiado en un tema tan actual como es el de las instalaciones. Entre las excepciones, casi todas ellas de escultores que dedicaron parte de su vida profesional a la instalación, voy a referirme a dos artistas. Una, la francesa Niki de Saint Phalle (este blog el 14.2.10). Saint Phalle, aunque no se dedicó al cien por cien a las instalaciones, sí tiene muchas de sus “nanas” formando parte de más de una instalación en el paisaje urbano, y la otra, la artista Louise Bourgeois que nos visitó el 6.6.2010. Precisamente el artista que hoy os presento, al igual que Bourgeois, tiene obra en el bilbaino Museo Guggenheim. Se trata de Anish Kapoor, un artista que ha visto su obra rápidamente catapultada a la fama.





Si Bourgeois nos dejaba uno de sus magníficos arácnidos en la puerta del Guggenheim, Kapoor nos dejó “El gran Árbol y el ojo”.

Al igual que su obra es multidisciplinar en cuanto a materiales y formas, podríamos decir que Kapoor es una persona multicultural y no solamente por su apertura de miras y su talante de ciudadano del mundo, sino por reunir en su propia persona un bagaje de diversas culturas.





Nacido en Bombay en 1954, vivió sus primeros años en India. Su padre era hindú, su madre judía-irakí y su abuelo rabino en una sinagoga. Toda la familia se trasladó a Mónaco y Anish posteriormente marcharía a Londres para estudiar Arte y dedicarse a la escultura. Realizó sus estudios en el “Hornsey Collage of Art” y en el Chelsea School of Art & Design”.

Así que no es de extrañar su deseo de que no se le encasille en una determinada nacionalidad.






Si hablamos de su obra, no sería justo clasificarla como simple escultura, como minimalista, o en cualquier clasificación que la encaje en un determinado estilo. Su obra es tan multidisciplinar, como multicultural es el artista.




White-Sand-Red Millet many flowers 1982


Sus primeras obras nos traen con sus pigmentos de colores el recuerdo de su lugar de nacimiento, aquel en dónde pasó los primeros años de vida. También se corresponden a estas obras primerizas una mayor simplicidad de formas.




1971


A partir de los años 90 comenzó a experimentar con más materiales. Investiga las resinas, los metales y también cambia los volúmenes que van adquiriendo enormes proporciones. No obstante no perdería ni la sencillez de la forma, ni su espíritu multicultural.




Memory 2008


En ese año de 1990, en la Bienal de Venecia recibiría el premio Duemila y en el 91 el Premio Turner, pero podríamos decir que desde los años 80 la carrera de Kapoor ha sido la de un meteoro y con trayectoria internacional.


Obra expuesta en la Real Academia de las Artes de Londres


En breve tiempo su obra se ha exhibido por todo el mundo y aclamada allí en donde está expuesta. Receptores de su obra han sido, entre otros muchos lugares, la Tate Galley y la Hayward de Londres, el Kunsthalle de Basilia, el Deutshe Guggenheim de Berlín. También su obra ha llegado a Japón y a EEUU.




Arquitectura textil


Sus instalaciones espectaculares están diseminadas por el mundo y allí en dónde se colocan no dejan a nadie indiferente. Son muchos los lugares que se disputan tener una obra del artista.


Sky Mirror

Posiblemente algo que atrae poderosamente la atención de aquel que se encuentra ante una instalación de Kapoor es esa conjunción de grandiosidad y sencillez.



Images

Y es que es difícil que deje indiferente una obra de tales dimensiones lograda a base de unas líneas sencillas, simplemente de una gran curva y un intenso color. Toda su obra invita a la reflexión y como tantas veces he repetido en este mismo blog, delante de obras de estas características, se entiende que “menos es más”.


Curve (acero inoxidable)

Llama la atención que, precisamente él que no quería ser considerado de un lugar determinado, que buscaba ser un ciudadano del mundo y mostrar al mundo su propia mezcla multicultural, haya conseguido ser único e inconfundible. Sus obras no dan lugar a dudas, ahí en dónde se encuentra asentada una instalación de Kapoor, a nadie le llevará a equívoco la mano de su creador.
Entre nosotros tampoco podía faltar su presencia y además de El Reina Sofia de Madrid, el Guggenheim de Bilbao fue receptor de su obra y posteriormente de una instalación.



El gran árbol y el ojo

En verano de 2011 el museo adquirió “El gran árbol y el ojo”. Este octubre se ha comenzado la reinstalación en el emplazamiento elegido después de haber sido sometida a un tratamiento para que soportara la ubicación en el exterior.
La obra adquirida había sido instalada en ese mismo lugar hace un año cuando el Museo realizó la retrospectiva del artista. Consta de 80 bolas de acero inoxidable y el equipo del artista decidió desmontar la obra para aplicar un tratamiento al mástil que sujeta las esferas para que pueda soportar las inclemencias de nuestro clima, justo al lado de la ría bilbaína. El tratamiento aplicado ha resultado satisfactorio y se espera que quede totalmente instalada a final del mes en el que escribo.
Esta obra tuvo un coste de 3.500.000 euros.


Esferas Leviatán. Gran Palais Paris

Creo que quedaran pocos lugares en el mundo en el que las creaciones de Anish Kapoor no brillen con su sencillez y pureza atrayendo hacia ellas miradas universales. Creadores como Anish Kapoor hacen más bello el mundo que nos rodea.

NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.
Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.
Fuentes consultadas:
La Sculpture, de la Renaissance au XX Siècle. ( Ed.Taschen)
Arte del Siglo XX. (Edit.Taschen)
Historia del Arte E.H.Gombrich (Ed.Debate)
En la red Wikipedia
Para la fotografía:
Las mismas, archivo propio y la red.

miércoles, 28 de septiembre de 2011

GIORGIO MORANDI. La fuerza del objeto inanimado





BODEGÓN


Aunque el pintor y grabador italiano Giorgio Morandi centró su trabajo tanto en el paisaje como en la naturaleza muerta, no hay duda de que son sus bodegones lo que evocamos cuando hablamos de este artista.




BODEGÓN



Nacido en Bolonia en 1890, en el seno de una familia numerosa, comenzó a trabajar muy joven en la misma empresa en que trabajaba su padre, pero fue breve esta etapa ya que sus dotes artísticas le llevaron a la Academia de Bellas Artes de su ciudad en dónde estudió durante seis años. En un principio alumno sumiso, pronto manifestaría su necesidad de definir su estilo.




BODEGÓN


En la época de estudiante en la academia viaja a Florencia y encuentra a Giotto, Masaccio, Uccello…, descubre la obra de los renacentistas italianos y las fuentes del arte que se dedica a estudiar.



STILL LIFE 1918


Al principio de su carrera pictórica, Morandi siguió a los futuristas, sobre todo después de tomar contacto con Boccioni y Carrá. Más tarde su obra se vio claramente influenciada por De Chirico(este blog 18.7.2010). Fue posteriormente cuando, ya definiendo su estilo, se fue distanciando de este último a la vez que los objetos inanimados de la vida cotidiana comenzaban a ser parte importante de su obra.



BODEGÓN


En esta elección de utensilios cotidianos, colocados sobre una mesa y que convertía en centro de sus cuadros, Morandi seguía al que fue para él uno de los maestros más admirados, Cézanne, y como él convertía sus composiciones en algo sencillo y a la vez sumamente original.



THE BLUE VASE 1920


Bien es cierto que pocos artistas han sabido sustraerse a la tentación de pintar un bodegón. Desde la antigüedad hemos podido apreciar bodegones en los frescos de Pompeya, en el siglo XVII español, entre las obras de los grandes artistas más próximos como Van Gogh, y qué no decir de los famosos bodegones del que fue para Morandi su admirado maestro, Cézanne!



BODEGÓN


Todos ellos y muchos más cayeron rendidos ante el desafío de pintar una naturaleza muerta. Creo que si afirmo aquí que Morandi fue uno de los que logró imprimir a sus bodegones una personalidad inconfundible, no me equivoco en absoluto. Se podría decir que a más sencillez, más fuerza.



BODEGÓN1962


No obstante no podemos dejar de lado su obra de paisajes, por cierto, claramente influenciada también por Cézanne. En ellos encontramos, como no podía ser de otro modo, la misma sencillez que en sus bodegones. Sencillez y fuerza.



PAISAJE 1941


Transmiten una paz que atrae y que nos hace soñar con esos lugares algo solitarios. Esos trazos sencillos parecen querer que comulguemos con la naturaleza.



PAISAJE 1944


A mi particularmente me embarga la misma placidez delante de uno de sus paisajes que al admirar una serie de botellas, cuencos y recipientes delicadamente colocados hasta lograr una composición perfecta. Ese es el valor y la fuerza que encuentro en la pintura de Morandi.



PAISAJE 1913


Morandi, hombre sencillo, a pesar de haber tenido contacto con diversas tendencias artísticas, siempre se mantuvo a distancia llevando una vida tranquila.



VIA FONDAZZA 1954


Pero a pesar de ser un hombre tranquilo y poco amigo de controversias, su obra no estuvo alejada de éstas. En una ocasión, cuando la obra de Morandi fue relegada a un segundo premio a favor de un artista más joven, un sector se posicionó claramente a favor de Morandi, mientras que otros muchos criticaron los temas, según ellos, monocordes de su obra.



BODEGÓN 1960


Durante varios años Morandi fue profesor de grabado en la Academia de Bellas Artes de Bolonia.



GRABADO


Durante la época de la Segunda Guerra Mundial y tras ser detenido por vinculación con la resistencia, se refugia en una aldea de los Apeninos y prácticamente deja de pintar.



BODEGÓN 1932 (Roma)



Pero después de la guerra vuelve con intensidad al trabajo y en 1948 la Bienal de Venecia le premiaría con el primer premio y al año siguiente sería la Bienal de Sao Paulo la que le otorgaría el galardón.



BODEGÓN 1946 (Bostón)



Morandi falleció en Bolonia en 1964. Tenía 73 años y si consideramos que la mayoría de los grandes artistas han girado alrededor de un movimiento o tendencia, se podría decir que era un solitario o un marginado. Apenas salio de su tierra natal, pero su obra, como la de tantos artistas universales, se encuentra repartida por todo el mundo y el está considerado uno de los mejores pintores del siglo XX.




BODEGÓN 1938 (MOMA .N.York)



Cuando evocamos su obra, no podemos evitar pensar en las naturalezas muertas más atrayentes y yo diría que inquietantes, que se han visto en la Historia del Arte. Sin duda fue el artista que mejor supo dar vida a los objetos inanimados.




BODEGÓN



En 2001 en una sección del Palazzo d’Accursio, sede del gobierno de Bolonia, se abriría el Museo Morandi.




AUTORRETRATO 1925


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Fuentes consultadas:

Arte del siglo XX. varios autores Edit.Taschen.

Historia del Arte. E.H.Gombrich. Edit. Debate

Pintores influyentes . David Gariff . Edit. Electa

La red en Wikipedia.

Para Fotografía : las mismas.