domingo, 30 de mayo de 2010

P. KLEE, maestro de maestros + RENZO PIANO. Uniones en el arte.






En los últimos tiempos tenemos la fortuna de asistir a un fenómeno que se repite con asiduidad. Que sea un gran artista-arquitecto el que proyecte el contenedor para un gran contenido. Ya dejé constancia en este blog de varias uniones que hemos tenido ocasión de admirar, como la obra de Ibere Camargo en el museo proyectado por el arquitecto portugués Álvaro Siza (entrada 31 julio de 2009), la ampliación del museo de Rufino Tamayo que, proyectada por el mexicano Michel Rojkind en unión al estudio danés Big, albergará la obra del inigualable pintor (entrada 8 de agosto de 2009) o el más cercano edificio realizado por el arquitecto Saez de Oiza para la Fundación Oteiza, encargada de la obra del artista vasco Jorge Oteiza. (entrada 26 octubre de 2009)




ARQUITECTURA DE LOS NIVELES 1923 (acuarela sobre lápiz en papel y sobre cartón)

Pues bien, para una obra como la del gran maestro Paul Klee, no podía ser más que un gran arquitecto el que proyectara el edificio que había de albergarla. Otro gran maestro, esta vez de la arquitectura, el italiano Renzo Piano, fue el que realizó el edificio ubicado en Berna.


Foto nocturna del ZENTRUM PAUL KLEE

Hace relativamente poco, en la Web de los estudiantes de arquitectura de la Universidad del País Vasco, “colgaban” un concurso de relatos que tenía como tema “Un mundo sin arquitectos”. Cuándo leí el título pensé que, independientemente de las mejores o peores intervenciones que hacen algunos profesionales del gremio, un mundo sin arquitectos nos privaría de la oportunidad de admirar bellezas como estas que albergan las obras de arte de tantos artistas. En una palabra, una buena arquitectura es una obra de arte, y un mundo sin arte, sería triste, árido y pobre.


Villa R. 1919 (óleo sobre cartón)

Así que hoy tengo el disfrute de escribir sobre dos grandes del Arte. Comenzaré por Paul Klee, el artista polifacético, el que despuntó en todos los géneros y superó todas las barreras del arte y el saber, el que fue uno de los artistas en dominar la primera parte del siglo XX, en una palabra el maestro de maestros.
Nacido en 1879 en Suiza fue pintor, pero también músico y poeta y sobre todo un Teórico del Arte. Adelantado a su tiempo, en cuanto a teorías y técnicas, es considerado uno de los más originales representantes del arte moderno.
Estudió Bellas Artes y caviló mucho ante la disyuntiva de elegir entre pintura o música, puesto que nació en una familia de músicos.

EL PEZ DORADO. 1925 (óleo y acuarela sobre papel montado en cartón)

Sus primeros trabajos muestran influencia del impresionismo y una fuerte influencia cubista. También podemos apreciar el expresionismo del siglo XX en su obra. Se podría decir que en sus pinturas y acuarelas encontramos el fruto de todo tipo de tendencias y técnicas. Su gran dominio de la armonía cromática fue utilizado para crear sencillas y bellas composiciones.


ST. GERMAIN CERCA DE TUNEZ. 1923 (acuarela sobre papel)

Considerado como uno de los representantes más originales del arte moderno, fue, como hemos dicho, pintor, músico, teórico del arte, un poeta de imágenes y palabras y un apasionado de la cultura oriental. Muchas de sus obras sin duda, llevan el sello de ese amor por Oriente como en “St.Germain, cerca de Túnez” o en “En Vista Parcial de G”.


VISTA PARCIAL DE G. 1927 (acuarela y calcomanía sobre óleo)

“Vista Parcial de G”, realizado en fechas posteriores a su viaje a Túnez, nos muestra un pueblecito en una composición en la que predomina el color del barro. El pueblo aparece entre el fango, eso sí, con su peculiar estilo de perspectivas ladeadas, edificios irregulares e inclinados y con caminos que no van a ninguna parte. A pesar de las “irregularidades” volvemos a apreciar la precisión matemática.
Como teórico del arte y maestro del dibujo, muchos de estos eran complicadas líneas cuyo contenido derivaba en una imagen fantástica. Creaba con composiciones lineales y circulares conectadas entre sí, elementos o pájaros.


EL EQUILIBRISTA. 1923 (lápiz acuarela sobre calco al óleo y dibujo sobre papel y cartón)

En sus textos no sólo exponía teorías para sus alumnos sino que fueron Principios Básicos para el arte moderno. Su obra tendría gran influencia en los pos-surrealistas y fue gran fuente de inspiración para el expresionismo abstracto.


EL CONQUISTADOR. 1930 (acuarela y pluma sobre algodón)

La época en que fue profesor de la Bauhaus (entrada en este blog 16 de mayo 2010) se puede considerar la más fructífera y creativa de su vida artística.


TEATRO DE GUIÑOL. 1923 (acuarela sobre encolado de tiza y cola en papel)

En esta escuela de vanguardia creó multitud de obras experimentando con técnicas diferentes, combinado óleo con empastes, yeso, transparencias y collages. En una palabra experimentó con todo lo factible de experimentar, tanto en técnicas como en materiales, llevando a la práctica sus elaboradas teorías.


CAMINO PRINCIPAL CAMINOS SECUNDARIOS. 1929 (óleo sobre tela en bastidor)

En una conferencia en la Bauhaus, Klee explicó como relacionar líneas, formas y colores entre si hasta lograr ese sentimiento de equilibrio y de bien hacer tras el que todo artista se afana. Describió como las formas, surgiendo bajo sus manos, sugerían algún tema fantástico o real a su imaginación. Estaba convencido que esa forma de crear imágenes era mucho más fiel a la naturaleza que cualquier copia.
Según explicaba, la Naturaleza misma crea a través del artista. Es difícil apreciar en un solo cuadro sus fantasías pero tenemos un buen ejemplo en el cuadro “El cuento de un enanito”.



EL CUENTO DEL ENANITO. 1925 (Acuarela sobre tabla barnizada)

En el se puede observar la mágica transformación de un gnomo, pues la cabeza del hombrecillo puede verse también como la parte inferior de la cabeza de mayor tamaño situado más arriba. Es una acuarela sobre tabla realizada en 1925.

Con la llegada de Hitler al poder se le expulsó de la Bauhaus y se vio obligado a huir como tantos otros profesores de la Escuela, pero además los nazis ejercieron gran persecución sobre sus obras que fueron desterradas de los museos alemanes. No obstante, en América gozó de gran fama debido a su gran originalidad y vanguardismo y a la gran pureza de su obra.


SENECIO. 1922 (óleo sobre gasa con fondo de tiza)

Hay más de 9000 obras de Paul Klee catalogadas, de las que 5.000 son dibujos. Su obra teórica también quedó recogida y difundida. Entre los documentos de estudio podemos mencionar “Bases para la estructura del arte” y “Teoría del Arte Moderno” en las que se nos explica con dibujos sencillos sus teorías sobre las líneas y sus símbolos.


REVOLUCION DEL VIADUCTO. 1937 (óleo sobre fondo de óleo en algodón sobre bastidor)

A partir de 1935 y debido a una enfermedad degenerativa, su estilo se vuelve más sencillo, caracterizado por líneas gruesas como de carboncillo y grandes áreas de colores matizados aunque sus temas adoptaron un tono pesimista. Murió en Locarno (Suiza) en 1940.


En cuanto al autor del Zentrum destinado a contener la obra de Paul Klee, el arquitecto Renzo Piano, podemos asegurar que no le va a la zaga en cuanto a vanguardista y en cuanto a figura reconocida dentro del Arte. ¿Quién no recuerda las polémicas levantadas ante el Centro Pompidou por su atrevido diseño? Renzo Piano, junto a Richard Rogers y Gianfranco Franchini, fueron los que ejecutaron el proyecto por los años 70. Así que, un edificio que aún hoy en día es vanguardia de la arquitectura, en aquel tiempo atrajo más de una opinión encontrada entre los defensores de una arquitectura más tradicional y entre los más avanzados.

Genovés nacido en 1937, experimentó con materiales diversos como cubiertas ligeras de plástico. También realizó ensayos con edificios “adaptables” y entre su muchas asociaciones, investigaciones y proyectos, encontramos la colaboración en la creación de la fundación “Architectural Workshop Foundation”, en un programa educacional generado con la Escuela de Diseño de Harvard con idea desarrollar la idea de “Bottega” entre los aprendices. “Aquí se aprende haciendo”.


EL CENTRO EN CONSTRUCCION

Como muchos otros, Renzo Piano estableció la tecnología como el punto de partida para sus diseños. Pero logró combinar la tecnología de manera adecuada con el carácter arquitectónico basado en la preocupación de las necesidades de quien habita lo que se construye o del contenido para el que ha sido proyectado.
En el Zentrum Paul Klee de Berna, http://www.zpk.org/ Renzo Piano concibió un edificio capaz de integrarse a la naturaleza, en homenaje a ese artista prolífico y profundo.
La luz, la ligereza y el desarrollo de las colinas de tierra son elementos de la poética de Klee que inspiraron al gran arquitecto italiano.


El CENTRO durante las obras. Al fondo los montes nevados.
Como es evidente no puedo alargarme en la vida y trabajo de este genial arquitecto ,pero os doy una pequeña idea de su trayectoria que demuestra que no se podía haber elegido profesional mejor a la hora de realizar un edificio para contener la obra de otro de los artistas más vanguardistas de su tiempo.


ZENTRUM PAUL KLEE


NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.
Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.

Fuentes consultadas: Historia del Arte ,E.H.Gombrich
Historia Visual del Arte ,Claude Frontisi
Maestros de la pintura ,Patricia Fride R. Carrrassat
La Bauhaus. (Ed.Jeaninne Fiedler y Peter Ferierabend)
Bases para la Estructuración del Arte y Teoría del Arte Moderno, ambas del propio Paul Klee.
Arquitectura del Siglo XX. (Ed.Electa)
Arquitectura del Siglo XX, Varios autores.(Ed.Taschen)
Fotografías: las mismas y la red

domingo, 23 de mayo de 2010

LAS ARTISTAS IGNORADAS DE LA BAUHAUS.




ESBOZO PARA ALFOMBRA


Trabajaron junto a ellos en la vanguardia y por la modernidad, firmaron obras, proyectaron edificios, diseñaron, revolucionaron con nuevos materiales, realizaron diseños textiles y trabajaron el metal, pero aún así cuando hablamos de la Bauhaus, inmediatamente visualizamos a Gropius, Van der Rohe, Klee y muchos otros artistas todos ellos masculinos.

Como en tantas ocasiones los nombres femeninos están ausentes en los trabajos que se encuentran sobre esta Escuela y pocos son los que reconocen que, en muchas ocasiones, las obras que se han paseado por el mundo como bandera de vanguardia artística y de diseño, salieron de las manos de las mujeres de la Bauhaus.



TEJEDORAS EN EL TALLER



Aún hay más, muchas artistas contemporáneas de la Bauhaus no estuvieron integradas en ella, aún siendo parte indiscutible del panorama artístico, como es el caso de Delaunay (en este blog entrada día 8.mayo 2010), por el hecho de ser mujeres. Todas ellas son las grandes olvidadas y para que sus obras y talento hayan sido conocidos han tenido que pasar muchos años.


Indudablemente la concepción machista de la escuela fue el factor fundamental, porque la Bauhaus fue revolucionaria en sus conceptos artísticos y en su modo de llevar adelante la enseñanza, pero en cuanto a la mujer, como sucede en ocasiones, las ideas progresistas no estaban a la par.


También otros factores se unieron para que la mujer pasara a un segundo plano. Mientras recopilaba información para esta entrada recordaba que en una anterior. (Surrealismo y la mujer 8 de marzo 2010) llegue a parecidas conclusiones. En algunos casos a las propias mujeres les daba miedo estar en primer plano.



DISEÑO de SILLA de EILEEN GRAY



He encontrado una anécdota más que significativa. Dicen que una vez Le Corbusier dibujó unos trazos en una casa diseñada por Eileen Gray, arquitecta y diseñadora. Se fotografió delante y de inmediato la casa se la atribuyeron a él. Gray rompió con él pero se cuidó mucho de montar un escándalo o de reclamar la autoría.

Hay muchos más ejemplos del machismo imperante en la Escuela. Cuando se creó la Bauhaus, sus fundadores comprobaron que la mitad de los alumnos eran mujeres, algo que les horrorizó, pues según su director Gropius, esto daba a la escuela fama de lugar de aficionados. Así que no cejó en el empeño de reducir el número de mujeres hasta que consiguió que éste no superara un tercio de matrícula.



CONTRASTES de MARIANNE BRANDT


Muchas son las mujeres que pasaron por la Bauhaus y que se vieron discriminadas, pero como es lógico en ese número de alumnas hubo grandes investigadoras y artistas, aunque desgraciadamente pocas profesoras.


Entre las excepciones encontramos a Gunta Stölzl, que fue alumna, profesora, maestra de taller y finalmente directora del taller de Textil.


Pero es que el Taller Textil de la Bauhaus tuvo una importancia singular.


ESBOZO PARA ALFOMBRA de GUNTA STÖLZL


Cuando Gropius insistió en reducir el número de matrícula femenina, lo hizo de manera que no se hiciese mención especial entre el sexo fuerte y débil, aunque el así los denominaba, porque no quedaba políticamente correcto y se le ocurrió potenciar ante las mujeres el taller textil, el de alfarería y algún otro, dejando el diseño industrial, escultura y por supuesto arquitectura para el sexo masculino.

En una carta datada en febrero de 1921 y firmada por Walter Gropius dice lo siguiente:

“Según nuestra experiencia no es aconsejable que las mujeres trabajen en los talleres de artesanía más duros, como carpintería etc. Por esa razón en la Bauhaus se van formado talleres marcadamente femeninos como el que se ocupa de trabajar con tejidos. También hay muchas inscripciones en encuadernación y alfarería. Nos pronunciamos básicamente en contra de la formación de arquitectas.”


TEJEDORA TRAS LA URDIMBRE


No se muy bien lo que diría el, en aquel tiempo, tan progresista Walter Gropius si viera el panorama actual, sobre todo en nuestro país, con sus Facultades de Arquitectura a rebosar de futuras arquitectas y con nombres femeninos en los mejores estudios de arquitectura.

Así que es bien cierto que cuando Mies van der Rohe en 1930, se convierte en director de la Bauhaus, ésta era prácticamente una escuela de arquitectura y cada vez había menos espacio que permitiese a la mujer destacar.



CENICEROS EN METAL



Fueron muchas y en diferentes disciplinas las artistas que allí se formaron y que salieron adelante. Imposible dejar aquí todos sus nombres pero sí nos vamos a detener en la obra de algunas

Algunos de los nombres que voy a añadir lograron sobresalir solamente una vez fuera de la Escuela.


Puesto que Gunta Stölzl fue de las pocas que llegó a convertirse en directora de un taller comenzaremos por ella. Por eso y por ser precisamente el más emblemático taller entre las mujeres. El de Textil. Fue figura indispensable por haber sido parte de la escuela desde el principio, pero aún así le costó conseguir ese puesto. Mujer de grandes recursos fue además la prueba de que la mujer podía hacer carrera en la Bauhaus. Pese a reconocer las grandes dificultades con las que se encontraron, trabajó e hizo trabajar la imaginación de todas las participantes en los talleres para experimentar con todo aquello nuevo que podía dar lugar a nuevas creaciones.



ESBOZO PARA CORTINA



Acosada por los simpatizantes nazis por su matrimonio con un judío, en 1931 abandonó la Escuela y fundó su propia empresa de tejidos en Suiza.



Anni Albers llegó a la Bauhaus en 1922 como estudiante. Animada por su propia familia que vieron en ella las grandes cualidades para el dibujo y la pintura tuvo que matricularse en el taller textil puesto que fue lo único que le permitieron. No obstante allí encontró su estilo. Experimentó con nuevos materiales para tejer, con coloridos innovadores, diseño para papel, con el lino y el algodón. Todos estos materiales en manos de una persona de tal creatividad dieron como fruto obras de gran belleza.




DISEÑO PARA TINTERO Y PLUMA EN ALPACA de BRANDT



Marianne Brandt, que trabajó el metal, fue de las pocas que se hizo un nombre durante la estancia en la Escuela. Sus lámparas en forma de globo han sido durante años un icono del diseño y una seña de identidad de la Bauhaus.



AUTORRETRATO DE MARIANNE BRANDT


Fue de las pocas activas con ese material. Su línea elegante, sencilla y funcional fue parte de la imagen de la Bauhaus. Es fácil encontrar aún hoy en día, ceniceros, juegos de té y artículos que se inspiran en sus diseños. Cuando la escuela cerró, su nombre siguió en primera fila. Posteriormente, en Berlín Este, impartió clases pero no volvió a trabajar el metal. Se dedicó al cuero, la cerámica y la escultura.



Marguerite Friedlaender-Wildenhain, ceramista, también alcanzó éxito, una vez fuera de la Bauhaus, en EEUU.


CERAMICA de MARGUERITE FRIEDLAENDER



Lilly Reich nacida en Berlín, fue una arquitecta autodidacta e interiorista. Fue socia de Mies van der Rohe para la exposición de Barcelona de 1929 y también para la de Berlín en 1931. También llegó a dirigir un taller de interiorismo en la Bauhaus pero fue por breve tiempo puesto que era la época en que los nazis censuraron la Escuela.

Fue creadora de interiores considerados de los mejores de la Historia de la Arquitectura del siglo XX.


Eileen Gray fue otra arquitecta y diseñadora irlandesa. Con el rumano Jean Badovici firmó importantes proyectos. Junto a el realizó la villa E-1027. El era editor de la revista L’Architecture Vivante, que publicó un número especial sobre esa casa titulado “E-1027 Maison en bord de mer”.


Tanto Eilen Gray como Charlotte Perriand, innovaron el diseño de muebles en Francia.




CHAISE LONGUE de PERRIAND



Perriand se tituló en la escuela de la Unión Central de Artes decorativas y ya a los 24 años se dio a conocer con obras en acero cromado en el Salón de Otoño de 1927. Más tarde seguiría su andadura con Le Corbusier. Con éste y con Pierre Jeanneret quedaron a cargo del “equipamiento de la habitación” del salón de Otoño. Se entiende por equipamiento las sillas, mesas y estanterías. .

Entre su intensa y muy abundante obra podemos atribuirle una bien conocida: “ chaise longue”, con tubos de acero y piel de potro.




SPOT CON CHARLOTTE PERRIAND



La fotografía nos recuerda a un spot de los años 30. La chica que aparece en el spot es la propia Charlotte que posa sobre la silla tradicionalmente atribuida a Le Corbusier. Una obra que ella había diseñado por encargo del famoso arquitecto cuando trabajaba en su Estudio.


Charlotte Perriand, desarrolló ya en aquel tiempo un diseño de muebles desde una perspectiva que contempla problemas fisiológicos y funcionales. Fue una artista avanzada en su tiempo.


Tuvo que pasar tiempo hasta que Centro Pompidou parisino estudiara la obra de la diseñadora y arquitecta que había firmado algunas de las piezas de mobiliario más emblemático del siglo XX. Sólo entonces fue colocada en el lugar que le correspondía en la historia del Arte y el Diseño. Otra mujer maltratada por la historia.




JUGUETES DE CONSTRUCCIÓN de ALMA SIEDHOFF-BUSCHER


Muchas mujeres de la Bauhaus simplemente desaparecieron sin dejar huella. Otras como a Otti Berger se le perdió la pista cuando no pudo conseguir un visado para ver a su madre en Yugoslavia. Más tarde se supo que siendo judía había muerto en Auschwiz en 1944. También se logró saber que Alma Siedhoff-Buscher, diseñadora de juguetes ,murió en un bombardeo.

Unas desaparecieron por el correr del tiempo y otras muchas fueron ignoradas como tantas y tantas mujeres que realizaron su obra a la sombra de los artistas hombres.



NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.


Fuentes consultadas:

Bauhaus. Ed.Jeannine Fiedler y Peter Feierabend

Historia del Arte E.H.Gombrich

La red.

Fotografías: las mismas


domingo, 16 de mayo de 2010

ESCUELAS REVOLUCIONARIAS. LA BAUHAUS




EDIFICIO DE LA BAUHAUS


Es difícil explicar en pocas palabras lo que significó La Bauhaus para las Artes Plásticas, la Artesanía, el Diseño o para diferentes disciplinas como la Arquitectura, en una palabra, para el Arte.



CARTEL 50 ANIVERSARIO DE LA BAUHAUS



En su corta vida, unos 15 años, todo aquello que aglutinó La Bauhaus y su propio espíritu sigue atrayendo a todo el que se interesa por el Arte, por la Historia o por la Arquitectura, incluso para cualquiera que no esté ligado a un trabajo de este tipo, tanto la Escuela como los que la integraron, constituyen una fuente de interés.



GROPIUS HAUSE



La Bauhaus que en alemán significa “Casa de la Construcción” o “Casa de la Arquitectura” fue fundada por Walter Gropius, arquitecto descendiente de una familia de arquitectos, en 1919 en Weimar, después de la primera guerra mundial y fue la unión de la Escuela de Artesanía y la Escuela Superior de Artes Plásticas.

Gropius tenía por objetivo unificar las actividades eliminando las diferencias entre Artistas y Artesanos.



MUERTE Y FUEGO de PAUL KLEE


Su popularidad se debe sin duda a los prestigiosos nombres ligados a ella, comenzando por su propio fundador Walter Gropius, por Oskar Schlemmer, el conocido arquitecto Mies van der Rohe, o pintores de la talla de Paul Klee o Kandinsky, pero sobre todo a su filosofía que sirvió para que, en ese momento y en años posteriores, todos los movimientos de vanguardia giraran en torno a ella.


EN EL OVALO CLARO de KANDINSKY


El espacio físico también se puede denominar revolucionario. Un conjunto de estudios, talleres de máquinas, oficinas administrativas y casas para profesores en un grupo de cubos entrelazados y con relación entre ellos. Muchos de los talleres eran estructuras abiertas con paredes de cristal.


ESCALERAS DE LA BAUHAUS de OSKAR SCHLEMMER


En cuanto se supo de su existencia la afluencia de matrículas fue enorme. Sus enseñanzas abarcaban desde el diseño gráfico al de interiores, la cerámica, el vidrio, el teatro o la arquitectura.

Pronto su fama comenzó a superar fronteras, no sólo por su influencia en el Arte contemporáneo, sino también gracias a su famoso curso preliminar y al concepto pedagógico que consistía en alternar enseñanza teórica y práctica en los talleres. Aglutinó diversas posturas poco académicas e implantó la enseñanza de las mismas de modo poco convencional.


ACUARELA de LYONEL FEININGER


Gropius, siendo el afamado arquitecto, sostenía que el artista y el Arquitecto deben ser también artesanos. En sus primeros años la enseñanza estaba constituida por un curso de unos meses dedicado a prácticas de taller con diferentes materiales: madera, metal, barro, vidrio, tejidos y con nociones de modelado y dibujo. Los estudiantes debían de encontrar qué material les resultaba más atrayente y con cual se encontraban en mejores condiciones para trabajar.


CERAMICA de OTTO LINDING


Pero los conservadores tacharon a la escuela de “socialista” y se generaron protestas en su contra. Con la situación política de crisis que reinaba en el país, Gropius se vio obligado a cerrar la Escuela.

Pero poco después de su clausura se volvía a abrir en Dessau. Los propios alumnos y Gropius diseñaron el edificio.

En esta sede se llevaron a cabo diferentes fiestas que tenían como objetivo crear una relación de la propia Escuela con los ciudadanos.

En esas fechas fue otro arquitecto alemán Hannes Meyer el que se hizo cargo de la dirección. Este nuevo director dio a la escuela un giro más realista. Pero pronto fue sustituido por su ideología marxista.

En 1930 el famosísimo arquitecto Ludwing Miës van der Rohe toma el mando de la escuela a petición del propio alcalde de Dessau. Antiguos profesores se volvieron a acercar a la escuela que tomó una orientación de Universidad.


SILLA diseñada por MIES VAN DER ROHE


En 1932 los nazis llegan a Dessau y la institución no recibe financiación trasladándose a Berlín hasta su clausura por los nazis en 1933. Su cierre se justificó porque se consideró que una institución privada socialista e internacionalista.


Miës van der Rohe, profesores y alumnos perseguidos por el régimen huyeron del país y se instalaron en EEUU. En ese país Gropius fue profesor en Harvard, otros profesores también se establecieron en la docencia y Van der Rohe desarrollo su influyente arquitectura.


CASA proyectada por MIES VAN DER ROHE


La Bauhaus sentó las bases de la arquitectura moderna y del diseño de interiores y para ello se valió de sus publicaciones en las que mostraba: sillas, camas, lámparas y tejidos.


TAPIZ de ANNIE ALBERS


Los catálogos se vendieron en las industrias, se utilizó una nueva tipografía. Como en todo, en diseño gráfico fue revolucionaria.

Estuvo influenciada por diferentes corrientes como el constructivismo ruso, el expresionismo y el neoplasticismo. Carente de ornamentación en los diseños incluso en las fachadas y con gran armonía entre medios artísticos y técnicas de trabajo.


GOBELINOS de GUNTA STÖLZL


Además de los ya citados, fueron innumerables los artistas que en un momento u otro pasaron por La Bauhaus, como Lyonel Feininger, Oskar Schlemmer, la tejedora Gunta Stölz, la también tejedora Anni Albers y muchos más.

La Bauhaus influyó en muchos otros artistas como sucedió con el arquitecto y pintor Le Corbusier

La Escuela cerró pero todas sus enseñanzas siguieron en pie. En una palabra La Bauhaus sirvió para reflejar el espíritu del Arte en una época.


COMPONENTES DE LA BAUHAUS EN EL 50 ANIVERSARIO



Hoy en día aún sigue considerándose el núcleo de la vanguardia de primeros de siglo XX.

WALTER GROPIUS fundador de LA BAUHAUS


NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.


Fuentes consultadas:

Arquitectura del siglo XX (Taschen)

Arte del Siglo XX (Taschen)

La Historia del Arte . E.H.Gombrich.


y recomiendo encarecidamente a todo aquel interesado en La Bauhaus la siguiente publicación:

BAUHAUS. Edición de Jeannine Fiedler y Peter Feierabend de KÖNEMANN


Para la fotografías : las mismas

sábado, 8 de mayo de 2010

SONIA DELAUNAY. Reina del Art-Deco.






Si Lempicka (entrada anterior de este blog), fue para algunos un “Icono del Art-deco”, Sonia Delaunay es merecedora, sin duda, del título de “Reina" del mismo.


COMPOSICION

Durante mucho tiempo la figura de Sonia Delaunay (Sonia Terk de soltera) estuvo relegada a un segundo plano, quizás porque siempre estuvo a la sombra de su marido y quizás también porque desarrolló un intenso trabajo como diseñadora en el campo de la moda y de la publicidad, lo que la encasilló como tal.
A Robert Delaunay se le había reservado el papel de creador original dejando a Sonia como artífice de las aplicaciones a la moda, la publicidad, etc.
Esto fue cambiando sobre todo con los reconocimientos que le vinieron desde diferentes centros de arte de todo el mundo, como la exposición de sus obras que llevó a cabo el Centro Pompidou, exposición que la convirtió en la primera mujer que veía su obra en este Centro estando aún con vida. También tuvimos ocasión de admirarla en el Museo Thyssen Bornemisza.


LAS TRES MUJERES

Pero este reconocimiento le llegó a Delaunay después de la muerte de su esposo. ¿Qué hizo que se dieran estas circunstancias?

En más de una ocasión hemos hablado de la obra de las mujeres-artistas y de su lugar en la vida junto a otro artista. De su “estar a la sombra” del esposo o compañero en algunas ocasiones, o de ser la mano que ejecutaba la obra en otras, llevándose la fama el artista-hombre.
En el caso de Sonia Delaunay hubo un poco de todo eso y también posiblemente su elección de vida.

En una pequeña biografía leí las siguientes palabras de Sonia:

“He tenido tres vidas. Una para Robert, otra para mi hijo y mi nieto, y una más corta para mi. No me arrepiento de no haberme ocupado más de mi misma. No he tenido tiempo de ello”

De origen ruso, sus padres, la confían a un pariente de fortuna, el coleccionista de arte de San Petersburgo Henry Terk de quién tomaría el nombre y que le daría una extensa educación. En 1905 después de un periodo de estudios en Karlsruhe, se instala en París en dónde se inscribe en la academia La Palette y opta por una carrera artística casándose con su amigo, el coleccionista y marchante Wilhelm Uhde cuya galería había presentado un año antes una exposición con Gaugin, Matisse y representantes del Expresionismo, exposición que había sido acogida con gran éxito. En la galería conoció a Robert Delaunay. Se divorcia y se casan en 1910.



VILLA DE PARIS


Seguirían treinta años de un “matrimonio creativo”, con proyectos en común, de intercambios y mutuas influencias. Juntos crearían en 1939 un gran mural para la exposición Universal de París.




CONTRASTES DE COLOR 1912

Es el momento en que la luz y el color liberados de la referencia figurativa eran el centro del debate estético entre los componentes de la vanguardia parisina. Ella creaba objetos cotidianos como pantallas, claraboyas o cortinas llenos de luz y con Robert, desarrollaba una nueva pintura abstracta, con contrastes simultáneos, composiciones luminosas y dinámicas con superficies geométricas.
Inspirada en la formas del cubismo y en los colores de Paul Gaugin y de Van Goh aplicaba los principios de esa pintura a objetos como vestidos o tapices.

ICARUZ (TAPIZ)


Sus sorprendentes creaciones realizadas con la ayuda de diversos materiales de colores contrastados y de formas geométricas fueron acogidas con entusiasmo por personajes tan famosos como el crítico y poeta Guillaume Apollinaire.


COMPOSICION

Es Sonia, posiblemente la que va a aportar la mayor parte de la creatividad en la pareja, pero lo hace permaneciendo a la sombra de Robert. Esto tuvo grandes consecuencias, hasta el punto de que en muchos textos de arte se menciona el nombre de Robert Delaunay y se ignora el de Sonia. 

 DETALLE DE LA COLCHA REALIZADA PARA SU HIJO

En 1909, y aun teniendo gran éxito como pintora, Sonia comienza a trabajar en el campo de las artes aplicadas. Realiza su primer trabajo abstracto en 1911 para el nacimiento de su hijo Charles. Se trata de un trabajo textil de Patchwork, combinando trazos cubistas y referencias al folclore ruso. Paralelamente presenta su pintura abstracta.



OBRA EXPUESTA en el CENTRO POMPIDOU


En 1917 la Revolución rusa le priva del fruto de sus rentas y decide comercializar sus producciones en el campo de las artes aplicadas. Crea vestidos para los Ballets Rusos, pero también trabaja el diseño industrial como una colección de tejidos para una empresa de Lyon.



COMPOSICION

En la década de 1920 Delaunay se dedicó al diseño de ropa y a sus telas pintadas a mano con colores brillantes que revolucionaron el diseño textil, abriendo en 1925 con el creador de moda Jacques Heim la boutique “Simultané”. Coco Chanel o Greta Garbo forman parte de su clientela.
Pero esa aventura terminará con la crisis de principios de los años 30 que le obliga a cerrar la boutique. En ese momento Sonia se compromete de nuevo con el arte abstracto y se hace miembro del grupo “Abstracción- Creación”.



ACUARELA Y LAPIZ 1917

Sin embargo, sus primeras retrospectivas, que suelen ser consideradas como reconocimiento artístico, datan de los años 50. Según sus biógrafos, este hecho está ligado a lo mucho que se ha querido separar siempre Bellas Artes y Artes Aplicadas. Para el total reconocimiento a su obra, tendrían que pasar casi 20 años de su muerte.



LAS CUATRO ESTACIONES

Fue a finales de los 90 cuando los grandes modistos citan sus diseños y los numerosos museos organizan exposiciones con su obra, una obra que abarca desde pinturas (óleos, acuarelas, guaches), telas, encuadernaciones y multitud de diseños de ropa y vestuarios para teatro, así como sus telas pintadas a mano con bellos colores.


 RETRATO DE LA ARTISTA REALIZADO EN 1908


En 1975 fue condecorada con la Legión de Honor.

SONIA


NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.
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Fuentes consultadas:
Archivo propio
Femmes Artistes du XXe et XXI e siécle.
Arte del siglo XX .Varios autores (Taschen)

Fotografias: las mismas.